Festival Viso Out: Cosas que debes saber de este evento [Entrevista]

Hoy es el último día de la convocatoria Viso, festival que este 2019 realizará su quinta edición. A pesar de esto, sigue siendo un espacio desconocido para algunos. Es por eso que en esta entrada anoto las palabras y datos que me ha compartido Edgar García Véjar, uno de los coordinadores del evento, para que así puedan conocer un poco más acerca de este festival, así como su funcionamiento y evolución.


¿Qué es VISO?

Viso es una plataforma, un festiva y un espacio en el que los artistas de todas las disciplinas, todas las experiencias y todas las edades tienen la posibilidad de presentar su trabajo y convivir con otros artistas y con el público. Es un espacio que se abre para responder a una necesidad de infraestructura y de apertura a distintas visiones artísticas, a distintos tipos de expresión, distintos caminos de experimentación y para que cualquiera, sin restricciones, pueda presentar su trabajo.

Aquí, de alguna manera incluyes el objetivo de este espacio y plataforma.

Sí, creo que sí, pero quisiera esclarecerlo más. El objetivo por el que nace el festival y por lo que sigue siendo la bandera principal, es lo de responder a una necesidad de acceder a espacios que de pronto es difícil hacerlo de manera convencional, sobre todo los espacios institucionales. Es complicadísimo acceder a ellos, más aún si no tienes experiencia o renombre. De pronto también, a los festivales ya consolidados, es complicado entrar si no tienes cierto tipo de experiencia o apoyos a los que no puedes acceder por la misma razón. Entonces el festival responde a una necesidad de este tipo: a una complicación con respecto a la infraestructura cultural. Pero no sólo es para visibilizar el problema, sino que responde a una noción de que responder a estas problemáticas no es sólo responsabilidad de las instituciones públicas, sino que también es una responsabilidad de la sociedad civil, sobre todo los artistas. Es nuestra responsabilidad tener el dónde presentarnos y abrir espacios, abrir camino para los que van empezando, los que ya tienen trabajo hecho.

¿Qué edición es?

Estamos por empezar la edición número cinco. Cada edición ha sido muy distinta de la otra, con cada una han surgido objetivos y metas nuevas. Entre ellos: crear comunidad, por ejemplo, ha sido un tema interesante, ha sido una palabra que ha surgido en varias ocasiones, durante varias de las ediciones ¿Qué es eso de «comunidad»? ¿para qué sirve? ¿con qué se come? ¿será que somos comunidad o somos un gremio? ¿será que ser comunidad nos lleva a un lado? si lo somos, ¿fortalece y desarrolla el arte? ¿Somos una comunidad local, tenemos impacto aquí y en otros estados o en otras entidades de la república? Han sido muchas dudas que han surgido para eso a lo largo de las cinco ediciones, para lanzar dudas al aire, a partir de los que vemos y platicamos dentro de la convivencia del evento.

La edición pasada la sede fue Quinta de Anza…

No solo la vez pasada, Quinta de Anza ha sido la casa de Viso desde el primero. En ese entonces no se llamaba Quinta de Anza, era el Colegio Central, me parece. Era un espacio rescatado que recién había adquirido la nueva dueña de este espacio. Era una escuela primaria, me parece, que todavía estaba en ruinas cuando el festival lo adoptó. Fue un festival interesante porque no solo se trató de crear espacios para presentaciones, no solo se trató de comunidad, sino del rescate y la reapropiación de espacios. Todavía estaban los mesabancos, pizarrones, la biblioteca estaba intacta, por ejemplo, algunas áreas del espacio todavía conservan ciertas ruinas.

Vista actual de Quinta de Anza

Hay ahí una mezcla entre la remodelación y lo que estaba ahí…

¡Y es bonito! El festival ha ido avanzando junto con el espacio. Para el segundo año ya estaban empezando la remodelación, entonces lo que nos tocó ese año, fue un edificio que estaba como obra gris. Ya tenía paredes nuevas, tenía enjarres, era gris e interesante. Había plastas de cemento y de yeso sobre las paredes, montoncitos de grava por aquí y por allá, nuevos laberintos, escaleras que no llevaban a ningún lado, cuartos sin puertas. Era muy interesante.

Para el tercer año, ya Quinta de Anza era Quinta de Anza, pero todavía no abría tal cual, pero ya se parecía un poco más a como es hoy, como te tocó ver el año pasado. Y para la cuarta edición que te tocó visitarla, 2018, pues ya era Quinta de Anza con todos sus poderes y en forma. Es un salón de eventos muy particular, muy bonito.

Definitivamente, Quinta de Anza sigue siendo nuestra casa. Ayer tuvimos nuestra primer rueda de prensa en la que presentamos la convocatoria y fue ahí. Ese espacio no se va. La Universidad de Sonora desde el principio ha estado. El tercer año fue en el que más sedes hubo: el museo de la UNISON, el préstamo de sus espacios para los talleres del festival. Este año hay un compromiso de nuestra parte para involucrar de manera más activa a la Universidad y sus dependencias. Estamos viendo si nos unimos con otros lugares también. El festival regresa a distintas sedes para compartir junto a Quinta de Anza.

Y la convocatoria ya la presentaron…

Sí, la convocatoria tiene abierta casi un mes, ayer hicimos una presentación oficial para atraer a más gente y ya nos han estado llegando varias propuestas de diversas disciplinas.

¿Dónde encuentro la convocatoria?

En nuestras redes, puede ser en Facebook, Instagram o en Twitter. Igual también ya la están compartiendo distintos medios, en la página de Instituto Sonorense de Cultura, la página del Instituto Municipal de Cultura y Arte de Hermosillo y en otros medios de divulgación que ya la están compartiendo también, no va a ser difícil de encontrar. Es muy fácil acceder a la inscripción, y de hecho es un elemento que ha tenido la convocatoria desde el inicio, ha ido creciendo y perfeccionándose. La característica principal del festival es este, que no hay una curaduría tal cual. No hay un proceso que diga «esta obra sí, esta obra no» y tratamos que el acceso a la plataforma sea lo más fácil posible, para que pueda entrar quien quiera entrar y quien tenga el interés y el compromiso de mostrar su trabajo para hacerlo crecer. En este año es un formulario en línea que es muy sencillo de llenar. El formulario se encuentra en nuestra página o lo pueden solicitar directamente a nuestro correo electrónico visooutfestival@gmail.com

Dime la fecha en la que se llevará a cabo este festival, lo que esperas de esta quinta edición y las problemáticas a las que responde.

El mismo festival nos dice. Cada año es una lucha y es un reto mantenerlo vivo porque cada año es distinto y responde a necesidades diferentes. El festival ha tenido la constante de tener por lo menos cuatro o cinco días de programación.

La tercera edición fue la más larga, me parece; el año pasado fueron seis, casi una semana. En esta edición, decidimos que van a ser sólo dos jornadas, dos días en las que decidimos condensar la programación con el afán de atender a otros sectores que se han abierto en el festival: las actividades académicas, las actividades de reflexión, los talleres y los espacios de diálogo. Revisar cuales son los objetivos y metas que tenemos que replantearnos. A cinco años de haber empezado con este evento que definitivamente tiene que transformarse para responder a las necesidades del gremio artístico y de la sociedad en la que estamos ahorita; que no es la misma de hace cinco años, que parecen pocos pero son muchos para la vida de un festival. No todos llegan a cinco y estamos muy conscientes de eso y de que tiene que mejorar.

Se está elaborando un diagnóstico de los objetivos que se han cumplido en estos cinco años, de las necesidades que en verdad ha respondido, porque una cosa es lo que se planificó en principio y otras es lo que realmente ha pasado. Tenemos muchas ideas como por ejemplo, extender las actividades del festival durante el año o tal vez replantearnos si el espacio sirve sólo para presentarse o si habría que abrirlo a otras posibilidades como generar producciones, ciclos de conferencias… tenemos que ver en qué se va a transformar y ante qué va a responder esa transformación. De principio no queremos soltar la muestra artística porque creemos que es una característica que prima y que vuelve especial al festival: poder presentar tu trabajo sin curaduría, sin juicio, con la libertad y apertura de que tu trabajo se exponga ante artistas y público.


PD: Da clic aquí para ver algunos de los momentos de la cuarta edición de VISO (2018).


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Fuiste, eres y serás larga metamorfosis

Pensar en Cuerpo metamorfo, pieza escénica propuesto y ejecutado por Mario Largarda, es divagar en conceptos como evolución, determinismo, premonición y preludio ¿Qué tanto de lo que ahora somos está escrito ya? De los miles de posibilidades que nuestro cuerpo pudo adquirir, ¿por qué somos bajitos, altos, blancos, morenos, enérgicos o tímidos? La metamorfosis embrionaria puede que se traslade a la metamorfosis corporal. Pero vayamos a Google para definir este concepto.

Metamorfosis:

  1. Transformación que experimentan determinados animales en su desarrollo biológico y que afecta no solo a su forma sino también a sus funciones y su modo de vida; es típica de los poliquetos, equinodermos, insectos, crustáceos y anfibios.
  2. formal. Cambio o transformación de una cosa en otra, especialmente el que es sorprendente o extraordinario y afecta a la fortuna, el carácter o el estado de una persona.

Hay que señalar que en ambas definiciones encontramos la palabra «transformación». Recordemos esa famosa Ley de la conservación de la materia en donde esta palabra también se hace presente: «La materia no se crea ni se destruye, sólo se transforma». Cuerpo metamorfo resulta una exploración escénica indirecta (o directa) de distintos conceptos. Basado en el registro auditivo y visual de procesos evolutivos o de transformación, podemos hacer énfasis en otra palabra: registro.

Desde la concepción de dos células portadoras de ADN que al unirse generan un nuevo registro por medio de la convergencia de ambos; nos podemos dar cuenta que registrar es una acción permanente que suele ir de la mano con la transformación. La presentación de Lagarda es una proyección corporal de estos dos: verbos registrar y transformar. Nuestro cuerpo es un historial de enfermedades, poros, cicatrices, lunares y marcas que lo acompañan.

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La metamorfosis podría ser vista como el movimiento encuadrado por la naturaleza. Es genial pensar en el punto de encuentro en donde un embrión no se ha desarrollado lo suficiente para distinguir si es un perro, un gato, un mono o un humano. La transformación marca por si sola un perímetro en donde la metamorfosis atraviesa el plano físico y llega hasta un plano espiritual y mental. Cuerpo metamorfo es un guiño a la posible aceptación de los cambios, de la adaptación y no-adaptación pasando por una aparente resignación (?).

La interpretación de esta pieza puede resultar atemporal, ya que se viven pequeños cambios que conllevan a transformaciones mayores. Podemos hablar de metamorfosis corporal del cuerpo humano o reducirlo al pequeño embrión tibio conformado de células en el inicio de un largo vals.

La vida es transformación: la fecundación, el crecimiento en el útero antes de nacer, el desarrollo del cuerpo, la muerte y la descomposición que desemboca en una inminente asimilación.

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PD: Algunos mencionaron el calor que hacía en la locación seleccionada para la representación de la obra. Pero si lo vemos desde un lado conceptual, podemos decir que el proceso metamórfico es un proceso cálido.

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Fotografías: Carlos Durazo

Nostalgia, discriminación y neoliberalismo en escena

La semana de VISO out fest ha sido testigo de cómo el calor va aterrizando en la ciudad. Las noches son el regocijo del movimiento, el resguardo de los susurros que provocan y arrastran al expectador a las diversas piezas que componen el festival. Quinta de Anza, la casa que cobija a los artistas y que enmarca en el interior de sus paredes la actividad nocturna de la expresión corporal.

 

A los 16

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Autor: Aziz Córdova
Dirección: Carlos Murguía
Elenco: Adriana González, Claudia Paola Ávila, Katur Bejarano, Ramsés Carranco

Esta presentación colorida que narra la etapa juvenil donde los imposibles no parecen descabellados. La narrativa de esta pieza toma de la música en vivo, material audiovisual, luces e interacción con el público para transportar al expectador a su yo de 16 años. A los 16 es una convergencia de las disciplinas de danza, teatro y literatura, partiendo del texto del poeta Aziz Córdova. Una presentación que puede resultar como una saturación de elementos composicionales o bien, una mera exploración escénica Pero esto nos lleva a una pregunta a considerar antes de impartir un juicio: ¿a caso la etapa de los 16 años no es: un choque de sueños y exploración de identidad?

Femme

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Colaboradores: Andrea Fernanda Godoy Gonzáles, Danahee Félix Medrano, Jacqueline Flores Barceló, Ivanka Argüelles Figueroa, Odalis Livier Retano Rascón.

¿Te gustan mis zapatos?
¡POSE!
Soy una mujer. 


Estas eran algunas de las declaraciones intermitentes de Femme. El diálogo que surge a raíz de esto fue: ¿contiene esta ejecución alguna denuncia o propone un didactismo escénico? Veamos. La pieza utiliza el recurso de la repetición tanto de la música como del movimiento corporal. Llevado por tres muchachas con lencería y unos zapatos llamativos de un intenso color rojo que resaltaban sobre un escenario de colores planos. Cada golpe sordo de la música era una pose nueva por parte de las chicas. Estas poses son cíclicas ya que una vez terminada la secuencia de las poses, inicia de nuevo. Lo interesante de Femme es como el ritmo va incrementando y como las chicas deben mantener la sonrisa y la misma expresión a lo largo de todo el número. La rapidez de los movimientos da como resultado una exhalación más golpeada, el sudor corriendo por el rostros de las interpretes y una expresión neutra pero con tintes de súplica. La premisa de la obra se concibe dentro de si misma como un retrato paradójico de la situación femenina, que si bien no denuncia tal cual, llega a poner sobre la mesa las problemáticas imposibles de evadir. El hecho de tener que seguir un ritmo musical, mantener sólo ciertas poses y de utilizar lencería y las zapatillas como símbolo de lo femenino, hacen que los recursos escénicos se vuelvan alegorías. Todo podría resumirse en imposición y violencia. Habría que preguntarnos ¿por qué se seguirán repitiendo estos patrones de violencia a pesar de los movimientos sociales? ¿qué tan enterrada está la raíz de la adopción del ideal impuesto: «Soy una mujer»?

Cinco dosis de muerte en do para la libertad

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Dirección: Carlos Contreras
Intérpretes: Claudia Paola Ávila, Katur Bejarano, Gabriel Monroy, Carlos COntreras.
Producción: Desierto Imaginario y Theatrum Manus

Una instalación escatológica que denuncia las dinámicas neoliberalistas. Pero si hay algo que se debe cuestionar en este tipo de aproximaciones es ¿cómo denunciar sin apoyar? Considerando que la instalación estaba rodeada de varios logotipos de Coca-Cola y que las hamburguesas que se digerían en la pieza, eran, creo yo, provenientes de alguna empresa de comida rápida. Aunque me he de imaginar que es complejo aterrizar temas de este tipo sin caer en el juego planteado por esa entidad que está siendo denunciada. Porque como escuché a alguien comentar «¿no crees que mínimo a uno de los que estaban ahí presentes se les anotojó una Coca-Cola bien fría? Porque ahorita con sólo comentarlo se me antojó» o otra voz que mencionaba que al final de cuentas, a estas empresas nos les pasará nada. Pero es interesante y me parece que por lo menos, Cinco dosis nos deja reflexionando en alternativas y estrategias de representación de lo que resulta ser una hidra o mecanismo inteligente capaz de idear maneras de boicotear las denuncias artísticas. Pero la exploración debe continuar, si el hombre creó este sistema, el mismo hombre debe ser capaz de retratarlo o enfrentarlo de una manera igual de eficaz.

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PD: Me gustaría comentar que junto al ejercicio de reseña o comentario de cada pieza del VISO, parto de una interpretación previa que puede resultar para muchos parcialmente subjetivo.

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¿Qué pasa cuando se difumina el común denominador de la comunidad artística?

Conversatorio «Comunidad: Objetivos y estrategias»

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¿Qué es comunidad?

  1. Conjunto de personas que viven juntas bajo ciertas reglas o que tienen los mismos intereses.
  2. Grupo social del que forma parte una persona.
  3. Conjunto de seres vivos que tienen las mismas características.
  4. Hecho de tener varias personas o cosas algo en común.

    (Definiciones extraídas por medio de la búsqueda en Google: «define comunidad»)

La tercera noche de VISO arranca con un conversatorio que gira entorno a la concepción de comunidad por parte del área artística, representada por una selección de figuras de diferentes campos: teatro, circo, música y danza. Conceptos como comunidades artísticas, comunidades de audiencia, nichos, colaboración y diálogo, se paseaban en el espacio y poseían a quien debía ser poseído.

Hablar de comunidad nos lleva a la palabra «conjunto» (1. Que se hace simultáneamente a otra cosa o con un fin común) que alude al «fin común», hecho que nos lleva a preguntarnos: ¿existirá un «fin común»? Puede que haya afinidades pero pareciera que dentro de esta comunidad de personas, aún existe una barrera que no nos permite explorar al otro. Ignoramos lo que está haciendo ese artista plástico, ese bailarín o aquel poeta. Hago énfasis en la palabra explorar porque no es suficiente conocer y ubicar a la obra o al artista, eso lo puede hacer cualquiera. Una exploración alude a estudiar y descubrir el trabajo del otro. Imaginar el enriquecimiento de las obras artísticas por medio de esta convergencia interdisciplinaria me emociona porque es una manera de abrirnos ante un mundo de posibilidades.

Probablemente se necesita que una hambruna creativa surja para así romper esas fracciones superpuestas sobre otras fracciones. La «comunidad» está tan centrada que a veces el común denominador se vuelve borroso y se invisibiliza. Cada nicho apunta a un objetivo: se trabaja para un crecimiento artístico, para el apoyo de un sector marginalizado, para audiencias masivas o para una beca. Las estrategias van a diferir, cada artista tendrá aproximaciones diversas.

Tal vez es la acción el denominador común por excelencia. Ahí se engloba a cualquier arte, cualquier artista y cualquier propósito particular: partiendo de la acción. Los actos de presencia son un primer paso. El hecho de levantarte y asistir por motivos que no sean «porque sale un amigo», es una aproximación que representa un paso más. La exploración y un posible ejercicio de traslado al campo propio, puede llegar a generar un diálogo y propuestas interesantes. No hago referencia a nada nuevo, es simplemente reiterar la dinámica de llevar ese poema a la danza, esa danza al papel, la pintura a la música, la música al teatro y así enriquecer las obras propias. Los objetivos ya quedarían a criterio de cada quien.

Espacios como estos conversatorios propician un encuentro que deberían ir más allá de «YO HAGO ESTO», «YO TRABAJO ASÍ», sin decir que esto esté mal, apunto que es importante llevarlo a planos más trascendentes. Una comunicación basada en retroalimentación y preguntas: ¿Qué es lo que haces? ¿Cómo trabajas los conceptos que yo trabajo? ¿Qué es el espacio para ti? ¿Cómo representarías la página en blanco, la brocha desgastada, la dualidad y la melodía, en tu trabajo?

El problema es el distanciamiento, a pesar de que habitamos un espacio determinado en el conjunto «División de humanidades y bellas artes» o «Artistas de Sonora» aún hay mucho que hacer. Necesitamos plantearnos preguntas, discutir, discernir y dialogar para así explorar/explotar esos puntos de encuentro. Como dijo alguien por ahí: La acción es la única cura.

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PD: Conoce más sobre este espacio artístico en: VISO OUT FESTIVAL 2018- Programa y talleres Las presentaciones continúan hasta el 08 de junio.

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Sobre monstruos, uniones y corazones empolvados

El 03 de junio, el día 02 del VISO out festival y una casa que abría sus puertas para presenciar las deformidades, los niveles conexos, el poder, la energía, hechizos, revoluciones y polvo. Las luces anunciaban el inicio y las personas funcionaban como un telón humano que delimitado perímetros y que su movimiento colectivo marcaba el inicio y final de cada pieza. Continúa la danza, el circo, la música… continúa el VISO.

Saltim-Banco

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Dirección / Autor: Saúl Medina
Intérpretes: Daniel Rodríguez, Ángel Nava, Ricardo Barreto, Saúl Medina
Asistente de dirección: Ricardo Barreto

La primera presentación de la noche fue el circo de freaks: Koo Koo la mujer ave, el hombre de dos caras y el hombre más grande del mundo. Una pieza que incluía a un cirquero y que ponía bajo análisis varias incógnitas a través de la narración testimonial. Los zancos enaltecían a cada engendro de la naturaleza y les brindaba una belleza no aceptada por el hombre, quien explotaba sus deformaciones para beneficio propio. Una serie de crónicas que fueron apoyadas por objetos, música de carpa y la construcción de espacios imaginarios. El hombre y sus monstruosas ambiciones, nos llevan a pensar que tal vez la peor deformación es aquella que no se puede ver.

Sinergia

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Concepto e intérprete: Alicia Salguero

Sinergia:

  1. Acción conjunta de varios órganos en la realización de una función.
  2. Incremento de la acción de diversas sustancias debido a que actúan conjuntamente.

Alicia Salguero propone esta experimentación conexa entre objeto y cuerpo. Por medio de un aro rojo que mantuvo siempre un fuerte contraste ante la neutralidad de su atuendo, el color sugería la generación de un calor visual. Los movimientos construían una unión cuerpo-objeto en donde no existe la subordinación entre uno y lo otro. La pieza buscaba entablar una unión entre el cuerpo y el objeto en busca de movimientos paralelos o perpendiculares pero que se movían en una supuesta unión dancística. A pesar de que pareciera un acto mimético del cuerpo al simular el ritmo del aro, Sinergia lleva al expectador a presenciar una paradoja de independencia unificada.

My heart’s (r)evolution

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Concepto e interpretación: Paola Madrid*
Composición sonora: Aurèle Belliard
Vestuario: Mat Voorter en colaboración con Paola Madrid
Asistencia artística: Sebastien Vanvelthem
Producción: SORTA (Bruselas, BE)
Con el soporte de: Pianofabriek, Garage 29, WIPCOOP / Mestizo Arts Platform, d e t h e a t r e m a k e r, Le BIJ.
*Beneficiaria jóvenes creadores PECDA_FECAS 2017-2018

Si los corazones fueran prendas, ¿qué tan rasgados estaría el tuyo? ¿tendría aún la etiqueta? ¿estaría descolorida? ¿tendría agujeros de bala? ¿estaría manchado de sangre, vino o constantemente húmeda? La (r)evolución de mi corazón explora el movimiento, el sentimiento vinculado a este órgano en una pieza de estimulo y reacción. La música generada en el fondo ambientaba y el que controlaba el panel pasaba a ser un intérprete activo ante las intermitencias de sus dedos al programar los sonidos, los tambores que se oyen debajo del agua y el aparente vacío ruidoso. La entrada en escena de Paola Madrid cargando entre sus brazos un vestido hecho bola que luego empieza a sacudir, liberando el polvo en la cara del expectador (literal) para después ponérselo; son una serie de acciones que van narrando este número.
La pieza no pareciera una historia de amor o desamor, sino una anécdota evolutiva del heart.

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PD: Conoce más sobre este espacio artístico en: VISO OUT FESTIVAL 2018- Programa y talleres Las presentaciones continúan hasta el 08 de junio.

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VISO OUT FESTIVAL 2018- Programa y talleres

El VISO OUT FESTIVAL está justo a la vuelta y con ella viene mucha danza, teatro, conversatorios, performance, talleres y más. Para ser sinceros esta será la primera vez que asistiré al Viso Out Fest y es por eso que preferí extraer la información que se compartió por parte de los coordinadores del evento que aventarme un texto de mi ronco y neófito pecho.

VISO Out Festival es una plataforma artística que funciona como espacio abierto para compartir y dar a conocer procesos y/o trabajos artísticos, eliminando filtros o categorías que limiten la participación de cualquier tipo de propuesta.
Se origina para atender “una falta, un vacío, un deber, una obligación ante lo común (la cosa, de lo que es compartido)”.
Nos complace exponer nuestra emoción al presentar la programación oficial de esta cuarta edición del festival, el cual se llevará a cabo del sábado 2 al viernes 8 de junio en dos distintas sedes: nuestra ya tradicional casa: Quinta de Anza, el antes Colegio Central, y el foro de Bellas Artes de la Universidad de Sonora.

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