Mañana es el día de la danza y me alegra que a estas alturas ya haya dos episodios sobre danza, uno en preparación y muchos artistas que se dedican a este arte que nos podrán contar sus experiencias. La maestra Zaha nos cuenta un poco sobre cómo se acercó a la danza.
Descripción del episodio:
Zaha Santa Cruz es bailarina y maestra de danza contemporánea. Actualmente trabaja como docente en la Universidad de Sonora y colabora con artistas escénicos como David Barrón y Manuel Ballesteros. Es directora del laboratorio de movimiento «BiAtch danza lab» y ha impartido el taller de «Moving Space», en donde explora la posbilidades y desarollo de habilidades corporales. Ha bailado como integrante de la compañía de danza contemporánea «La Lágrima». En este episodio nos platica un poco sobre su experiencias como bailarina, maestra y artista. Instagram: @zahasantacruz Facebook: @biatchdanzalab
Había leído en alguna parte que una vez que te vuelves fan de los podcast, eventualmente te darán ganas de iniciar el tuyo. Así fue, quería hacer uno de entrevistas, sería el pretexto perfecto para acercarme a la gente en el área de las artes. Pero tenía muchas dudas y no me sentía seguro. Pensé en proponer un podcast para los instructores de los clubes de lectura. Gracias a ello, ya tengo una mejor idea sobre cómo hacer el podcast y tengo pensado empezar el podcast que quería hacer desde un inicio. Usé la app de Anchor para grabar y la verdad es una app sencilla que cumple las necesidades básicas para cualquier podcast.
Al principio cuando grabamos el primer episodio para Letras Aparte, varios se veían muy entusiasmados y pues llevamos dos episodios y una intro que numeramos como el episodio cero. Y pues sí, hacer un podcast requiere de mucho compromiso.
El capítulo más reciente es una entrevista a Stephany Zamarripa e Isabel Coronado, dos estudiantes de la licenciatura en artes plásticas en la Universidad de Sonora. Esta entrevista se llevó a cabo durante la sesión del 28 de febrero en mi club de lectura sobre temas de arte. Conversamos acerca del desarrollo de un estilo, cómo la carrera influenció sus vidas personales, la comparación que hicieron entre la carrera de arte plásticas en la UNISON y escuelas del centro del país. Comparte el episodio a quien creas que le interese conocer un poco más sobre la carrera.
PD: Esperamos subir más contenido para aprovechar nuestro tiempo libre en casa, así que esperen actualizaciones.
así como se lanza el dado y gira, cuando cae y alza el vuelo para volver a caer, uno, dos, tres y un-dos-tres y un-dos-tres, caen siete pecados capitales menos un cuerpo.
te escribí una carta de amor, ¡de verdad! me movía para acariciar el aire e invocar tu espíritu. por eso te emocionabas, sin importar donde estuvieras. leías algo, recordabas aquello, sentías que un ritual se llevaba a cabo y sólo abrías los ojos en asombro.
tracé las formas de tu piel sobre las hojas secas de los árboles profetas. tú habitaste mi cuerpo durante algunos minutos y deseabas quemarte ahí mismo porque los tambores hacían que te retorcieras de lo que ellos llamaban catársis y que tú lo pronunciaste en un sonido, en un alivio que salió de tus labios a través de esa exhalación tibia y ajetreada.
yo bailaba, escribía, te extrañaba, te recreaba y te amaba de nuevo.
ante la torre de cartas que construyen mi cuerpo, bastó el murmullo de una bocina para derrumbarme…
ahí tirado las apuestas se escriben con saltos, círculos y líneas, espacios violentados, la suspensión de lo que creíamos haber sido y que sólo fue una carta: la reina de espadas.
te escribí una ceremonia sobre el azar de mis movimientos, jugué con el vacío y ahora sigo lleno de apuestas personas que vigilan el sueño de la danza que solíamos bailar…
PD: La danza es algo que con el tiempo ha cobrado una mayor importancia en mi vida, es un medio de expresión y un lenguaje que me ha gustado explorar y experimentar partiendo desde mis sentimientos y valores. Realmente le desearía a cualquier persona poder tener ese espacio íntimo en la danza o en cualquier arte, porque nos vuelve y nos desenvuelve más sensibles. Feliz día internacional de la danza 🙂
Pensar en Cuerpo metamorfo, pieza escénica propuesto y ejecutado por Mario Largarda, es divagar en conceptos como evolución, determinismo, premonición y preludio ¿Qué tanto de lo que ahora somos está escrito ya? De los miles de posibilidades que nuestro cuerpo pudo adquirir, ¿por qué somos bajitos, altos, blancos, morenos, enérgicos o tímidos? La metamorfosis embrionaria puede que se traslade a la metamorfosis corporal. Pero vayamos a Google para definir este concepto.
Metamorfosis:
Transformación que experimentan determinados animales en su desarrollo biológico y que afecta no solo a su forma sino también a sus funciones y su modo de vida; es típica de los poliquetos, equinodermos, insectos, crustáceos y anfibios.
formal. Cambio o transformación de una cosa en otra, especialmente el que es sorprendente o extraordinario y afecta a la fortuna, el carácter o el estado de una persona.
Hay que señalar que en ambas definiciones encontramos la palabra «transformación». Recordemos esa famosa Ley de la conservación de la materia en donde esta palabra también se hace presente: «La materia no se crea ni se destruye, sólo se transforma». Cuerpo metamorfo resulta una exploración escénica indirecta (o directa) de distintos conceptos. Basado en el registro auditivo y visual de procesos evolutivos o de transformación, podemos hacer énfasis en otra palabra: registro.
Desde la concepción de dos células portadoras de ADN que al unirse generan un nuevo registro por medio de la convergencia de ambos; nos podemos dar cuenta que registrar es una acción permanente que suele ir de la mano con la transformación. La presentación de Lagarda es una proyección corporal de estos dos: verbos registrar y transformar. Nuestro cuerpo es un historial de enfermedades, poros, cicatrices, lunares y marcas que lo acompañan.
La metamorfosis podría ser vista como el movimiento encuadrado por la naturaleza. Es genial pensar en el punto de encuentro en donde un embrión no se ha desarrollado lo suficiente para distinguir si es un perro, un gato, un mono o un humano. La transformación marca por si sola un perímetro en donde la metamorfosis atraviesa el plano físico y llega hasta un plano espiritual y mental. Cuerpo metamorfo es un guiño a la posible aceptación de los cambios, de la adaptación y no-adaptación pasando por una aparente resignación (?).
La interpretación de esta pieza puede resultar atemporal, ya que se viven pequeños cambios que conllevan a transformaciones mayores. Podemos hablar de metamorfosis corporal del cuerpo humano o reducirlo al pequeño embrión tibio conformado de células en el inicio de un largo vals.
La vida es transformación: la fecundación, el crecimiento en el útero antes de nacer, el desarrollo del cuerpo, la muerte y la descomposición que desemboca en una inminente asimilación.
PD: Algunos mencionaron el calor que hacía en la locación seleccionada para la representación de la obra. Pero si lo vemos desde un lado conceptual, podemos decir que el proceso metamórfico es un proceso cálido.
La semana de VISO out fest ha sido testigo de cómo el calor va aterrizando en la ciudad. Las noches son el regocijo del movimiento, el resguardo de los susurros que provocan y arrastran al expectador a las diversas piezas que componen el festival. Quinta de Anza, la casa que cobija a los artistas y que enmarca en el interior de sus paredes la actividad nocturna de la expresión corporal.
A los 16
Autor: Aziz Córdova Dirección: Carlos Murguía Elenco: Adriana González, Claudia Paola Ávila, Katur Bejarano, Ramsés Carranco
Esta presentación colorida que narra la etapa juvenil donde los imposibles no parecen descabellados. La narrativa de esta pieza toma de la música en vivo, material audiovisual, luces e interacción con el público para transportar al expectador a su yo de 16 años. A los 16 es una convergencia de las disciplinas de danza, teatro y literatura, partiendo del texto del poeta Aziz Córdova. Una presentación que puede resultar como una saturación de elementos composicionales o bien, una mera exploración escénica Pero esto nos lleva a una pregunta a considerar antes de impartir un juicio: ¿a caso la etapa de los 16 años no es: un choque de sueños y exploración de identidad?
Estas eran algunas de las declaraciones intermitentes de Femme. El diálogo que surge a raíz de esto fue: ¿contiene esta ejecución alguna denuncia o propone un didactismo escénico? Veamos. La pieza utiliza el recurso de la repetición tanto de la música como del movimiento corporal. Llevado por tres muchachas con lencería y unos zapatos llamativos de un intenso color rojo que resaltaban sobre un escenario de colores planos. Cada golpe sordo de la música era una pose nueva por parte de las chicas. Estas poses son cíclicas ya que una vez terminada la secuencia de las poses, inicia de nuevo. Lo interesante de Femme es como el ritmo va incrementando y como las chicas deben mantener la sonrisa y la misma expresión a lo largo de todo el número. La rapidez de los movimientos da como resultado una exhalación más golpeada, el sudor corriendo por el rostros de las interpretes y una expresión neutra pero con tintes de súplica. La premisa de la obra se concibe dentro de si misma como un retrato paradójico de la situación femenina, que si bien no denuncia tal cual, llega a poner sobre la mesa las problemáticas imposibles de evadir. El hecho de tener que seguir un ritmo musical, mantener sólo ciertas poses y de utilizar lencería y las zapatillas como símbolo de lo femenino, hacen que los recursos escénicos se vuelvan alegorías. Todo podría resumirse en imposición y violencia. Habría que preguntarnos ¿por qué se seguirán repitiendo estos patrones de violencia a pesar de los movimientos sociales? ¿qué tan enterrada está la raíz de la adopción del ideal impuesto: «Soy una mujer»?
Cinco dosis de muerte en do para la libertad
Dirección: Carlos Contreras
Intérpretes: Claudia Paola Ávila, Katur Bejarano, Gabriel Monroy, Carlos COntreras.
Producción: Desierto Imaginario y Theatrum Manus
Una instalación escatológica que denuncia las dinámicas neoliberalistas. Pero si hay algo que se debe cuestionar en este tipo de aproximaciones es ¿cómo denunciar sin apoyar? Considerando que la instalación estaba rodeada de varios logotipos de Coca-Cola y que las hamburguesas que se digerían en la pieza, eran, creo yo, provenientes de alguna empresa de comida rápida. Aunque me he de imaginar que es complejo aterrizar temas de este tipo sin caer en el juego planteado por esa entidad que está siendo denunciada. Porque como escuché a alguien comentar «¿no crees que mínimo a uno de los que estaban ahí presentes se les anotojó una Coca-Cola bien fría? Porque ahorita con sólo comentarlo se me antojó» o otra voz que mencionaba que al final de cuentas, a estas empresas nos les pasará nada. Pero es interesante y me parece que por lo menos, Cinco dosis nos deja reflexionando en alternativas y estrategias de representación de lo que resulta ser una hidra o mecanismo inteligente capaz de idear maneras de boicotear las denuncias artísticas. Pero la exploración debe continuar, si el hombre creó este sistema, el mismo hombre debe ser capaz de retratarlo o enfrentarlo de una manera igual de eficaz.
PD: Me gustaría comentar que junto al ejercicio de reseña o comentario de cada pieza del VISO, parto de una interpretación previa que puede resultar para muchos parcialmente subjetivo.
La sentimos, nos rodea, nos conmueve… ¿nos mueve? No sabemos si habitamos sobre su corteza en una especie de simbiosis o si formamos parte de su fisionomía. La ciudad existe sobre o con nosotros y la habitamos hasta terminar siendo habitados. La puesta en escena de Kraken, Archivos de la Ciudad de los alumnos de la licenciatura en artes escénicas, opción danza contemporánea, es una serie de retratos, movimientos que imitan y dan testimonio de un ser abstracto, de la ciudad en todas sus dimensiones y colores.
En el programa de mano se lee lo siguiente:
Kraken alude a la criatura mítica, al ente inasible en el que se convierte la ciudad que nos devora, que nos hunde y nos abraza con sus tentáculos de concreto ¿Cómo interactúa mi cuerpo en la ciudad? ¿Habito la calle o simplemente la transito?
Kraken está compuesta de 10 escenas. Diez rincones de este monstruo, escenas coloridas, escenas oscuras, críticas, retrato de comportamientos, exposición de cifras y de números que nos duelen: 49, 43 y 3. Kraken es un archivero y cada pieza es un gabinete, un cajón, una de las múltiples caras de este monstruo que padecemos y que juntos formamos.
Las piezas fueron las visita a la ciudad, a las personas que lo habitan, a sus historias y a sus «costumbres» por no decir manías. Piezas que tenían tintes locales pero que con sus tentáculos, acaparaban espacios nacionales, como una bestia que desea abarcarlo todo.
¿Cómo se manifestó el Kraken?
Podría teclear palabras en un intento por describir lo que había presenciado. Podría intentar narrar la sensación de cómo por un momento la audiencia pasó a ser el que es observado y no quien observa. Qué tanto vale escribir acerca del flujo, de las energías que convergieron en escena, de las palabras y los contrastes. Para qué narrar esas escenas donde pasábamos de la música energética a los sonidos de los cañones de las pistolas, de cómo nos transportaron del juego tan popular y divertido como el STOP para luego presenciar la simulación de ejecuciones masivas.
Siempre habrá un amor-odio al Kraken, porque es un ente colectivo que es difícil controlar. Todo es cuestión de armonía, de convivencia y lucha. Un movimiento que nosotros generamos y que curiosamente, a veces se nos dificulta seguir. Un Kraken con complejos de Frankenstein. Un mosaico devorador.
Por qué escribir de eso cuando puedo anotar acerca de la energía, de la fuerza y de la vitalidad de los intérpretes, de cómo dejaron sus almas en escena para ser tributo a la construcción que hacían de la ciudad. Las sonrisas, el desgarramiento interno que se manifestaba como un goce prohibido pero que al compartirlo dejaba de serlo y pasaba a ser un ritual de pasaje placentero. Un colectivo de movimientos independientes que formaban un cuerpo, juntos construyeron a una bestia que se movía a través de ellos. Cada uno se convirtió en un tentáculo, en un ojo, en una voz, en un elogio y en una denuncia a la ciudad.
Generación 2014-2018
Había una comodidad en la ejecución, todos dejaron algo de ellos en ese híbrido escénico. Me parece que durante ese desprendimiento y entrega, la generación 2014-2018 de la licenciatura en artes escénicas, opción danza contemporánea, se despedía también de su alma máter en eso que fue «Nuestro último baile».
Felicidades a los intérpretes:
Betzabé Arce
Ivanka Argúelles
Fernando Cajigas
Claudia Curiel
Danahee Félix
Andrea Godoy
Gabino Guerrero
Janine Espinoza
Melanie Robles
Jacqueline Flores
Anel Parra S.
Katia Gardea
Harley Harris
René Leyva
Carlos Pacheco
Marcos Ramírez
Odalis Retano
Alicia Salguero
Tatiana L. Bessarez
Citlalli Aguirre Z.
Priscila Almeida
Alejandra Lomelí
Mariana Quesney
Atentamente,
PD: Está semana asistí a las funciones de graduación de ambas especialidades de escénicas: Polo Pelota Amarilla y Kraken Archivos de la ciudad, y no puedo dejar de pensar en lo bonito que ha de ser compartir el escenario por última vez en la carrera con tus compañeros. Creo que ha de ser algo muy, muy padre.
![[Podcast] 01- Primeros episodios de "Letras aparte"](https://oscartero.files.wordpress.com/2020/03/pexels-photo-765139.jpeg?w=825&h=510&crop=1)
Oscar Mares 