Les comparto el contenido del cuarto episodio del podcast. Fue una charla muy rica en información y anécdotas sobre teatro, actuación y mucho más.
Descripción del episodio:
Gabriela Ainza o también conocida como Gabriela Clementina es actriz que ha colaborado en una amplia variedad de obras teatrales y proyectos socioculturales a través del teatro. Forma parte del área administrativa de la Compañía Teatral del Norte, la compañía más sólida del noroeste de México que lleva más de 25 años de actividad. Beneficiaria del FECAS 2017-2018 dentro del rubro «Jóvenes creadores». En este episodio nos cuenta un poco sobre cómo llega al teatro (o de cómo el teatro llegó a ella), platicamos sobre el teatro para bebés y la importancia del plan financiero de los artistas. Sin duda, un episodio que no te puedes perder.
Conferencia magistral sobre el actor como ente creativo
¿Ser o no ser? Ese fue uno de los mucho planteamientos y cuestiones que se gestaron durante la conferencia «El actor como ente creativo» impartida por el poeta, dramaturgo, director de escena, actor, pedagogo y crítico de teatro, ensayista y editor: José Ramón Enríquez Alcázar. Hace años que el maestro no venía a Hermosillo y hoy la ciudad del sol lo recibe en El Mentidero, dentro del marco de las Fiestas del Pitic, para hablar de teatro. Una vez concluida su charla, el maestro me regaló unos minutos para hablar un poco sobre literatura, cine, actuación, la obra que presentará este sábado 25 de mayo, entre otras cosas.
O: ¿Cuál sería la diferencia entre el actor como «un ser creativo» y el actor como «un ente creativo»?
JRE: Filosóficamente el ente puede ser o no ser, y el ser, es. Entonces, si se viera al actor como ser creativo estamos dando por sentado que es creativo, y como ente, puede serlo o no. Hay actores que son seres creativos y actores que no. Lo que yo defiendo es la posibilidad de que el actor sea creativo.
Creo que hay gente que empezó siendo creativa que encontró una formulita y se aprovecha de ella.
O: ¿Cuáles serían las cualidades de un actor creativo?
JRE: Aquí lo que hago es abrir no solamente al actor sino al hecho artístico en general, osea también esto puede ocurrir con el pintor, con el dramaturgo, con el poeta. Puedes tener fórmulas que te permitan salir, hacerte famoso y escribir bestsellers que no sean creativos; o de verdad puedes enfrentarte a tu personaje, enfrentarte a una serie de cosas y permitir que se dé el hecho creativo ¿Cuántos de los escritores, novelistas, poetas, reconocidos realmente no tienen formulas para sacar todos los años una novela nueva? Ahí no hay un ser creativo. Creo que hay gente que empezó siendo creativa que encontró una formulita y se aprovecha de ella.
O: ¿Cuál o quién sería un ejemplo de esa dinámica de fórmulas?
JRE: Yo creo que habría muchos. Yo puse como ejemplo el círculo que se da de la mímesis a la catarsis, o’sea el momento de la fecundación al momento del parto. Cuando se da este proceso de que tú como artista, permitas ser fecundado, viene lo que decían los antiguos: las musas. Puse el ejemplo de Ion de Platón. Sócrates le dice a Ion «tu no sirves para nada porque tú no haces las cosas, sino Homero quien habla por ti» y Ion le dice «Sí, pero yo permito que Homero hable por mí». Cuando se permite y se da hasta llegar al otro punto que es el parto: cuando el rapsoda, Ion, enloquece a las multitudes. De seguro ya es algo que saben todos porque está recitando La Ilíada y La Odisea, todo mundo las conoce. No es como en la modernidad de si ya se el final, ya no quiero verla. Es más bien como el evangelio, nadie va a la vida de Jesús preguntando «¿lo crucifican o no lo crucifican?». El suspenso forma parte de lo comercial. Cuando el artista permite que se de este proceso de la mímesis a la catarsis, se está dando el artista creativo. Cuando el proceso está falseado , buscado por una serie de fórmulas que te resuelven tal y cual, sí puede funcionar, se vuelven ricos y los otros se mueren pobres, nadie los conoce. A Kafka nadie lo leyó y lo lees ahora y dices ¡uuuyy!
También ocurre lo mismo con los actores. El actor que simplemente utiliza una serie de fórmulas que le dieron en la escuela, de métodos, técnicas, etcétera, etcétera, para hacer «como que»… es diferente al que de verdad entra, dialoga y se pelea con el personaje, lucha contra el personaje y se da el personaje. La lucha con el ángel, como Jacob luchando con el ángel, es el momento de la fecundación para luego llegar a la catarsis.
O: Me llamó mucho la atención cuando hablaba acerca de la lectura como medio para conectar con ciertas emociones. Más allá de buscar bagajes y vivencias personales, sino buscar a partir de lo externo, como en la literatura. Mencionaba a Dostoievski, por ejemplo.
JRE: Puse el ejemplo de Dostoievski porque yo creo que alguien que se haya leído entero Los hermanos Karamazov o El príncipe idiota, que haya leído estos monumentos, de verdad ha sido agarrado por Dostoievski. Los rusos en general, todo este mundo eslavo tan terrible: Chejov, Gogol, todo ese mundo lleno de historia no te permite trampear. Si te leíste entero En busca del tiempo perdido, de verdad tienes que haber salido tocado. En ese momento empiezas a encontrarte con el ser humano en lo más profundo. El amor de Mishkin por Natasha (del libro El príncipe idiota), es una cosa muy compleja, no puedes decir si es bueno o malo, si la quería o no, si Natasha lo quería a él o no, es muy complejo. Llega un momento en que te rompen todos los esquemas para de verdad encontrarte encuerado con la realidad humana.
O: ¿Tiene algún libro de cabecera?
JRE: Creo que Seis personajes en busca de autor de Pirandello es una lectura indispensable. Pirandello, como es discípulo de Bergson, lleva toda esta cuestión de la intuición a la práctica, al escenario. Me parece que Pirandello es fundamental. Ahora, qué libro me llevaría a una isla desierta: Cántico Espiritual de San Juan de la Cruz. Toda la vida lo volvería a leer y leer, porque es un ser, un corazón latiendo, “¿Adónde te escondiste, amado, y me dejaste con gemido?” (fragmento del libro Cántico Espiritual), desde luego, pero no es teatro.
O: ¿Alguna película que haya visto recientemente y que recomiende?
JRE: Para lo que estábamos hablando, la película de Mi semana con Marilyn, con Kenneth Branagh y Eddie Redmayne. Creo que es una película espléndida que justamente trata de este problema, del actor inglés y el método, la tortura que le supone el método y como le sacan dinero y se aprovechan de ella. Creo que está basada en el libro del personaje que hace Eddie. Es un niño bien que quiere hacer producción y le encanta el teatro. Al principio lleva de una lado a otro a Marilyn y después se enamora de ella. No conozco el libro, no se si se haya publicado en castellano. Hay películas que han sido extraordinarias. La tonalidad de películas como Ida, por ejemplo, son esas con las que no puedes quedar igual después de haberla visto, no puedes decir “esto no me tocó”. Ahí no hay mentira. Mi semana con Marilyn no es una gran película, es una película menor, pero tiene que ver con lo que estoy diciendo: el encuentronzao entre un actor inglés y el método de Strasberg. No de Stanislavski, de Strasberg, porque la palabra método no lo usó Stanislavski. Ida sí es una película que te quita el aliento, ¿la viste?
O: Sí, recuerdo lo bonito que era su fotografía…
JRE: Te cambió la cara cuando la recordaste…
O: Finalmente, maestro, ¿qué me puede decir sobre “El Guérber”, monólogo que dirige y que presentará en El Mentidero en la XIII Muestra Nacional de Teatro de Península a Península dentro del marco de las Fiestas delPitic?
Es mi última obra y pretendí prescindir de todo. Quise la experiencia, no de minimalismo, sino de ir a lo esencial de este encuentro del actor con su personaje. Aquí prescindo de todo, es un personaje solo, contado su historia al público y no hay nada. No tiene en qué apoyarse más que en su verdad. Espero que vengan a verla y espero que tiren tomates o bueno, no le tiren tomates al pobre actor, él no tiene la culpa, que me los tiren a mí.
El Guérber / Sábado 25 de mayo a las 8pm y 9pm en El Mentidero / Sin Costo
PD: Tal y como lo dice Paulo Galindo, no se pueden perder «El Guérber», en mi caso, muero de curiosidad por ver cuál es el resultado del actor que el maestro Enríquez dirigió.
Hoy es el último día de la convocatoria Viso, festival que este 2019 realizará su quinta edición. A pesar de esto, sigue siendo un espacio desconocido para algunos. Es por eso que en esta entrada anoto las palabras y datos que me ha compartido Edgar García Véjar, uno de los coordinadores del evento, para que así puedan conocer un poco más acerca de este festival, así como su funcionamiento y evolución.
¿Qué es VISO?
Viso es una plataforma, un festiva y un espacio en el que los artistas de todas las disciplinas, todas las experiencias y todas las edades tienen la posibilidad de presentar su trabajo y convivir con otros artistas y con el público. Es un espacio que se abre para responder a una necesidad de infraestructura y de apertura a distintas visiones artísticas, a distintos tipos de expresión, distintos caminos de experimentación y para que cualquiera, sin restricciones, pueda presentar su trabajo.
Aquí, de alguna manera incluyes el objetivo de este espacio y plataforma.
Sí, creo que sí, pero quisiera esclarecerlo más. El objetivo por el que nace el festival y por lo que sigue siendo la bandera principal, es lo de responder a una necesidad de acceder a espacios que de pronto es difícil hacerlo de manera convencional, sobre todo los espacios institucionales. Es complicadísimo acceder a ellos, más aún si no tienes experiencia o renombre. De pronto también, a los festivales ya consolidados, es complicado entrar si no tienes cierto tipo de experiencia o apoyos a los que no puedes acceder por la misma razón. Entonces el festival responde a una necesidad de este tipo: a una complicación con respecto a la infraestructura cultural. Pero no sólo es para visibilizar el problema, sino que responde a una noción de que responder a estas problemáticas no es sólo responsabilidad de las instituciones públicas, sino que también es una responsabilidad de la sociedad civil, sobre todo los artistas. Es nuestra responsabilidad tener el dónde presentarnos y abrir espacios, abrir camino para los que van empezando, los que ya tienen trabajo hecho.
¿Qué edición es?
Estamos por empezar la edición número cinco. Cada edición ha sido muy distinta de la otra, con cada una han surgido objetivos y metas nuevas. Entre ellos: crear comunidad, por ejemplo, ha sido un tema interesante, ha sido una palabra que ha surgido en varias ocasiones, durante varias de las ediciones ¿Qué es eso de «comunidad»? ¿para qué sirve? ¿con qué se come? ¿será que somos comunidad o somos un gremio? ¿será que ser comunidad nos lleva a un lado? si lo somos, ¿fortalece y desarrolla el arte? ¿Somos una comunidad local, tenemos impacto aquí y en otros estados o en otras entidades de la república? Han sido muchas dudas que han surgido para eso a lo largo de las cinco ediciones, para lanzar dudas al aire, a partir de los que vemos y platicamos dentro de la convivencia del evento.
La edición pasada la sede fue Quinta de Anza…
No solo la vez pasada, Quinta de Anza ha sido la casa de Viso desde el primero. En ese entonces no se llamaba Quinta de Anza, era el Colegio Central, me parece. Era un espacio rescatado que recién había adquirido la nueva dueña de este espacio. Era una escuela primaria, me parece, que todavía estaba en ruinas cuando el festival lo adoptó. Fue un festival interesante porque no solo se trató de crear espacios para presentaciones, no solo se trató de comunidad, sino del rescate y la reapropiación de espacios. Todavía estaban los mesabancos, pizarrones, la biblioteca estaba intacta, por ejemplo, algunas áreas del espacio todavía conservan ciertas ruinas.
Vista actual de Quinta de Anza
Hay ahí una mezcla entre la remodelación y lo que estaba ahí…
¡Y es bonito! El festival ha ido avanzando junto con el espacio. Para el segundo año ya estaban empezando la remodelación, entonces lo que nos tocó ese año, fue un edificio que estaba como obra gris. Ya tenía paredes nuevas, tenía enjarres, era gris e interesante. Había plastas de cemento y de yeso sobre las paredes, montoncitos de grava por aquí y por allá, nuevos laberintos, escaleras que no llevaban a ningún lado, cuartos sin puertas. Era muy interesante.
Para el tercer año, ya Quinta de Anza era Quinta de Anza, pero todavía no abría tal cual, pero ya se parecía un poco más a como es hoy, como te tocó ver el año pasado. Y para la cuarta edición que te tocó visitarla, 2018, pues ya era Quinta de Anza con todos sus poderes y en forma. Es un salón de eventos muy particular, muy bonito.
Definitivamente, Quinta de Anza sigue siendo nuestra casa. Ayer tuvimos nuestra primer rueda de prensa en la que presentamos la convocatoria y fue ahí. Ese espacio no se va. La Universidad de Sonora desde el principio ha estado. El tercer año fue en el que más sedes hubo: el museo de la UNISON, el préstamo de sus espacios para los talleres del festival. Este año hay un compromiso de nuestra parte para involucrar de manera más activa a la Universidad y sus dependencias. Estamos viendo si nos unimos con otros lugares también. El festival regresa a distintas sedes para compartir junto a Quinta de Anza.
Y la convocatoria ya la presentaron…
Sí, la convocatoria tiene abierta casi un mes, ayer hicimos una presentación oficial para atraer a más gente y ya nos han estado llegando varias propuestas de diversas disciplinas.
¿Dónde encuentro la convocatoria?
En nuestras redes, puede ser en Facebook, Instagram o en Twitter. Igual también ya la están compartiendo distintos medios, en la página de Instituto Sonorense de Cultura, la página del Instituto Municipal de Cultura y Arte de Hermosillo y en otros medios de divulgación que ya la están compartiendo también, no va a ser difícil de encontrar. Es muy fácil acceder a la inscripción, y de hecho es un elemento que ha tenido la convocatoria desde el inicio, ha ido creciendo y perfeccionándose. La característica principal del festival es este, que no hay una curaduría tal cual. No hay un proceso que diga «esta obra sí, esta obra no» y tratamos que el acceso a la plataforma sea lo más fácil posible, para que pueda entrar quien quiera entrar y quien tenga el interés y el compromiso de mostrar su trabajo para hacerlo crecer. En este año es un formulario en línea que es muy sencillo de llenar. El formulario se encuentra en nuestra página o lo pueden solicitar directamente a nuestro correo electrónico visooutfestival@gmail.com
Dime la fecha en la que se llevará a cabo este festival, lo que esperas de esta quinta edición y las problemáticas a las que responde.
El mismo festival nos dice. Cada año es una lucha y es un reto mantenerlo vivo porque cada año es distinto y responde a necesidades diferentes. El festival ha tenido la constante de tener por lo menos cuatro o cinco días de programación.
La tercera edición fue la más larga, me parece; el año pasado fueron seis, casi una semana. En esta edición, decidimos que van a ser sólo dos jornadas, dos días en las que decidimos condensar la programación con el afán de atender a otros sectores que se han abierto en el festival: las actividades académicas, las actividades de reflexión, los talleres y los espacios de diálogo. Revisar cuales son los objetivos y metas que tenemos que replantearnos. A cinco años de haber empezado con este evento que definitivamente tiene que transformarse para responder a las necesidades del gremio artístico y de la sociedad en la que estamos ahorita; que no es la misma de hace cinco años, que parecen pocos pero son muchos para la vida de un festival. No todos llegan a cinco y estamos muy conscientes de eso y de que tiene que mejorar.
Se está elaborando un diagnóstico de los objetivos que se han cumplido en estos cinco años, de las necesidades que en verdad ha respondido, porque una cosa es lo que se planificó en principio y otras es lo que realmente ha pasado. Tenemos muchas ideas como por ejemplo, extender las actividades del festival durante el año o tal vez replantearnos si el espacio sirve sólo para presentarse o si habría que abrirlo a otras posibilidades como generar producciones, ciclos de conferencias… tenemos que ver en qué se va a transformar y ante qué va a responder esa transformación. De principio no queremos soltar la muestra artística porque creemos que es una característica que prima y que vuelve especial al festival: poder presentar tu trabajo sin curaduría, sin juicio, con la libertad y apertura de que tu trabajo se exponga ante artistas y público.
El 03 de junio, el día 02 del VISO out festival y una casa que abría sus puertas para presenciar las deformidades, los niveles conexos, el poder, la energía, hechizos, revoluciones y polvo. Las luces anunciaban el inicio y las personas funcionaban como un telón humano que delimitado perímetros y que su movimiento colectivo marcaba el inicio y final de cada pieza. Continúa la danza, el circo, la música… continúa el VISO.
Saltim-Banco
Dirección / Autor: Saúl Medina Intérpretes: Daniel Rodríguez, Ángel Nava, Ricardo Barreto, Saúl Medina Asistente de dirección: Ricardo Barreto
La primera presentación de la noche fue el circo de freaks: Koo Koo la mujer ave, el hombre de dos caras y el hombre más grande del mundo. Una pieza que incluía a un cirquero y que ponía bajo análisis varias incógnitas a través de la narración testimonial. Los zancos enaltecían a cada engendro de la naturaleza y les brindaba una belleza no aceptada por el hombre, quien explotaba sus deformaciones para beneficio propio. Una serie de crónicas que fueron apoyadas por objetos, música de carpa y la construcción de espacios imaginarios. El hombre y sus monstruosas ambiciones, nos llevan a pensar que tal vez la peor deformación es aquella que no se puede ver.
Sinergia
Concepto e intérprete: Alicia Salguero
Sinergia:
Acción conjunta de varios órganos en la realización de una función.
Incremento de la acción de diversas sustancias debido a que actúan conjuntamente.
Alicia Salguero propone esta experimentación conexa entre objeto y cuerpo. Por medio de un aro rojo que mantuvo siempre un fuerte contraste ante la neutralidad de su atuendo, el color sugería la generación de un calor visual. Los movimientos construían una unión cuerpo-objeto en donde no existe la subordinación entre uno y lo otro. La pieza buscaba entablar una unión entre el cuerpo y el objeto en busca de movimientos paralelos o perpendiculares pero que se movían en una supuesta unión dancística. A pesar de que pareciera un acto mimético del cuerpo al simular el ritmo del aro, Sinergia lleva al expectador a presenciar una paradoja de independencia unificada.
My heart’s (r)evolution
Concepto e interpretación: Paola Madrid* Composición sonora: Aurèle Belliard Vestuario: Mat Voorter en colaboración con Paola Madrid Asistencia artística: Sebastien Vanvelthem Producción: SORTA (Bruselas, BE) Con el soporte de: Pianofabriek, Garage 29, WIPCOOP / Mestizo Arts Platform, d e t h e a t r e m a k e r, Le BIJ.
*Beneficiaria jóvenes creadores PECDA_FECAS 2017-2018
Si los corazones fueran prendas, ¿qué tan rasgados estaría el tuyo? ¿tendría aún la etiqueta? ¿estaría descolorida? ¿tendría agujeros de bala? ¿estaría manchado de sangre, vino o constantemente húmeda? La (r)evolución de mi corazón explora el movimiento, el sentimiento vinculado a este órgano en una pieza de estimulo y reacción. La música generada en el fondo ambientaba y el que controlaba el panel pasaba a ser un intérprete activo ante las intermitencias de sus dedos al programar los sonidos, los tambores que se oyen debajo del agua y el aparente vacío ruidoso. La entrada en escena de Paola Madrid cargando entre sus brazos un vestido hecho bola que luego empieza a sacudir, liberando el polvo en la cara del expectador (literal) para después ponérselo; son una serie de acciones que van narrando este número.
La pieza no pareciera una historia de amor o desamor, sino una anécdota evolutiva del heart.
El VISO OUT FESTIVAL está justo a la vuelta y con ella viene mucha danza, teatro, conversatorios, performance, talleres y más. Para ser sinceros esta será la primera vez que asistiré al Viso Out Fest y es por eso que preferí extraer la información que se compartió por parte de los coordinadores del evento que aventarme un texto de mi ronco y neófito pecho.
VISO Out Festival es una plataforma artística que funciona como espacio abierto para compartir y dar a conocer procesos y/o trabajos artísticos, eliminando filtros o categorías que limiten la participación de cualquier tipo de propuesta.
Se origina para atender “una falta, un vacío, un deber, una obligación ante lo común (la cosa, de lo que es compartido)”.
Nos complace exponer nuestra emoción al presentar la programación oficial de esta cuarta edición del festival, el cual se llevará a cabo del sábado 2 al viernes 8 de junio en dos distintas sedes: nuestra ya tradicional casa: Quinta de Anza, el antes Colegio Central, y el foro de Bellas Artes de la Universidad de Sonora.
Les envío un fuerte abrazo. Empiezo reconociendo que ambas ejecuciones, tanto con la pluma como la actoral, me han dejado una cálida reflexión que espero no trivializar mientras escribo sobre Roma al final de la vía; ojalá pueda plasmar la belleza, la peculiar realidad y el mensaje que encapsula esta entrañable obra.
Las voces y las vías
Luego de haber llegado unos minutos tarde a la presentación, me encuentro con un par de niñas que juguetean alrededor de unas vías de un tren. Parecen simpáticas, curiosas y luego de escuchar por un momento lo que decían, las identifique mejor: son niñas soñadoras. Fue agradable ver crecer a esas pequeñas, conocerlas, compartir con ellas sus problemas, escuchar sus ocurrencias, ver cómo cambiaban de ideales y cómo a pesar de todo, sus sueños por llegar a Roma son igual de fuertes que su amistad.
Guadalupe Gesen Arriola y Ángeles Cancio, interpretan a Emilia y Evangelina, respectivamente.
Sentí algo en el pecho al ver cómo todo iba y venía: las parejas, los problemas y el tren. El verbo «pasar» cobró mucho significado. Tal como lo hace un pasajero de tren que sube en un punto y se baja en otro, así viajamos por la vida. Tan universal es esa sensación de pasajero y de soñador, que estoy seguro que la obra puede tocar de manera diferente a las personas según la edad que tengan. Tal vez a la gente mayor les provoque la memoria y el recuerdo. A los jóvenes probablemente los lleve a pensar cuál es su Roma, hacia dónde van y probablemente querrán aferrarse al «yo soy…» y no pensar en otro destino, olvidando que existen las desviaciones.
Estoy agradecido por el hecho de hacerme recordar mi Roma y por mostrarme que tal vez Roma no es el lugar al que quiero llegar.
Actrices- Guadalupe Gesen Arriola y Ángeles Cancio
La pluma que traza la vía
Gracias a Daniel Serrano, las actrices tenían a su disposición una historia maravillosa que explora la vida y sus matices a través de Evangelina y Emilia, dos niñas pequeñas provenientes de algún pueblo de Sonora que sueñan con llegar a Roma. Usando el dialogismo dinámico con la que escribiste esta obra, pudiste explorar distintas etapas de la vida usando las palabras, las frases y los dichos que caracterizan a cada edad que los personajes viven.
Esa primera visita por las vías del tren, lugar de sus confidencias, se repetirá a sus 13, 20, 40, 60 y 80 años de edad y en cada una de ellas dejarán ver sus aspiraciones, esperanzas, frustraciones, sueños, preocupaciones y amores, que pueden ser los de cualquier mujer, siempre con una mezcla de humor, inocencia, entrañable calidez humana y profundo sentido de la femineidad- Roberto Perea
Realmente no sabía a lo que iba y puedo decir que es de esas ocasiones en las que me fui de la presentación con una doble satisfacción, porque me gustó y porque tendré la oportunidad de verla de nuevo para así sentarme a disfrutar los detalles de los parlamentos y la puesta escénica que el profesor Arturo Velázquez ensambló y envolvió cuidadosamente para su audiencia. Recuerdo que alguien dijo «¿Arturo sigue dirigiendo?», se me escapa una sonrisa y un «si supiera» susurra en mi cabeza.
Así que gracias a los tres, gracias por las letras y por las voces que las leyeron. Me despido porque debo alcanzar el tren…
Atentamente,
PD: Daniel Serrano. (Magdalena de Kino, Sonora; 1968) Dramaturgo, guionista, actor y director de teatro radicado en Tijuana desde 1995. Inició su carrera dirigido por Ángel Norzagaray. También fue alumno de Vicente Leñero, Hugo Argüelles, Jesús González-Dávila y Jaime Chabaud. Egresado delCentro de Educación Artística de Televisa, San Ángel. De 1995 a 2008 dirigió el Taller Universitario de Teatro, además de promover dicha disciplina al fundar el Festival Universitario de Teatro, de la Universidad Autónoma de Baja California. Ha escrito alrededor de quince obras- DRAMARED
PD II: Estreno de Roma al final de la vía el martes 08 de mayo en Hermosillo, Sonora en el teatro Emiliana de Zubeldía a las 7:40pm. No te pierdas la oportunidad de ver esta historia.
¿Cómo explicarte? ¿Cómo empezar siquiera a describir esa sensación que recorre mi cuerpo cuando emanas de mis movimientos e inundas el espacio? Esa emanación que bien es purificación, alivio y libertad. Admito que te Googleé antes de escribirte esta carta. Te anoto lo primero que encontré…
«Entre los antiguos griegos, purificación de las pasiones del ánimo mediante las emociones que provoca la contemplación de una situación trágica»- Escribe catarsis en Google y te saldrá esto como primera definición.
Me llama la atención la parte que dice «que provoca la contemplación de una situación trágica». Me pregunto ¿cuál sería esa tragedia? ¿de qué me purifico cuando mi cuerpo recorres? ¿Tragedia será pensar que sólo estás en mí en lo que duré la obra de teatro o lo que tarda en terminar la canción que he decidido bailar? ¿Será que me purifico de la realidad que a veces me resulta intolerable? Probablemente la tragedia resida en el hecho que puedas permitirme tanto placer al recorrer mi cuerpo, tanto miedo, tanta felicidad, tanta alegría y tristeza… tanto equilibrio, sólo para darme cuenta que eres una sensación momentánea. He llegado a pensar que me he vuelto adicto al escenario, tal vez por eso a veces cuando veo a grupos bailar, les pido su bocina para hacer del espacio una pequeña cita contigo.
Querida catarsis escénica, por ti he dudado de quién soy y con el tiempo tú has contestado esas preguntas. Para lograr llegar a ti, soy quien necesite ser, soy quien la escena requiera y lo que la música me pida. Ya sea actuando o bailando, admito que a veces me subo a los escenarios con ansias de que llegues a mí.
Muchos te viven por medio de diversas formas y yo sólo deseo que todos tengan la oportunidad de sentirte. Eres como una anestesia que adormece y al mismo tiempo una lucidez eufórica que dilata y sensibiliza los sentidos. Tenerte siempre, me volvería loco. Cómo explico esa ansiedad que me da cuando no toco el escenario por largo rato y no te he sentido. Cómo explicar la desesperación de no expresar lo que siento, de no purificarme. Cómo decirte lo irritable que me pongo cuando a veces me presento en escena, cuando se cierra el telón y no apareces. Siempre en esos casos: la desilusión me abraza y mis ansias me empujan a intentarlo de nuevo.
Me he acostumbrado a esta dinámica, probablemente esté enamorado de esa sensación, no lo se… yo seguiré buscándote, CATARSIS.
Atentamente,
PD: ¿Qué sientes cuando estas en el escenario? Porque normalmente la puerta de entrada de la catarsis suelen ser la emoción y el miedo.
Ayer te vi y justo después que salí de la obra, al estar sólo en mi habitación, te busqué en Instagram. «Me gusta actuar, maquillar y el circo! Quiero que mi obra siempre mezcle estos tres elementos» es lo que se lee en la bio de tu cuenta. Meme, lo lograste, sinceramente yo no esperaba quedar envuelto en lápiz labial, aros, luces, sueños y en esa actuación tan entrañablemente curiosa que nos otorgaste.
Gracias por la noche dinámica y refrescante. Ese juego de dualidades, realidad-sueño, Clara-Súper Miau, orden-caos, gritos-silencios, me llevaron de la mano… me sumergieron a tu historia début que decidiste narrarnos ¡Por un momento pensé que vería sólo un show circense! pero cuando se levantó el telón y miré ese gran reloj abstracto en el centro del escenario, algo cambió. Fue interesante y divertido, descubrir ese algo.
En medio de toda tu energía, había un pequeño maullido que nos advertía lo fácil que nos manipula el tiempo, las responsabilidades, la tecnología, la familia, el trabajo y todo eso que podría encerrar en un largo «etcétera». Escuchaba un miau que anunciaba cómo el tiempo puede convertirse en un tornado que nos arrastra por la vida junto a todo lo demás y nos olvidamos de jugar y soñar. Pareciera que el sistema/tiempo nos enseña a esconder nuestro Súper Miau interior, a ignorar nuestros sueños, a dejar de luchar y a rendirnos. Pero por más arrastradas que atravesemos, por más escurrido que esté nuestro maquillaje, el show continúa y no queda más que seguir con el espectáculo y ser nuestros propios héroes.
Disfruté la degradación que hubo en tu personaje, porque no era una degradación derrotada sino una degradación con vías a un eminente despegue, que llevaba a la reflexión, hacia algo íntimo y personal. Nos bajaste algunas estrellas, nos metiste en tus sueños y pesadillas. Gracias por enseñarnos a no rechazar nuestro alter-ego, a nuestro niño o «inmadurez» interior, sino todo lo contrario, gracias por invitarnos a jugar con ese lado nuestro y hacer las paces con nuestros monstruos.
Finalmente, quiero felicitarte por la manera en la que atrapaste a tu audiencia, por activar nuestra creatividad, por hacer de los asientos un escenario más y por compartir con nosotros una porción de tu catarsis escénica.
Fue algo guau, digo, mmmiiaaauuu.
PD: Admiro como la utilería formó parte de tu pequeño caos y la memoria administrativa de tu espacio. A pesar de que el personaje de Súper Miau me abrumó un poco en su primera intervención, terminó cayéndome bien. Es por demás decir sobre qué va la historia. Considero que el tema es actual y que muchos podríamos relacionarnos.
PD II: Hermosillo, Sonora (México). La obra Súper Miau de la actriz y maquillista sonorense, Meme García se estrenó en el Teatro del Cobach el día 19 de abril del 2018.
Gracias por la noche tan dinámica y refrescante. Ese juego de dualidades, realidad-sueño, Clara-Súper Miau, adulto-niño, orden-caos, gritos-silencios, me llevaron de la mano… me sumergieron a tu historia début que nos decidiste narrar. Pensé que vería sólo un show circense (y hubo circo, aunque la obra es mucho más que eso), pero cuando se levantó el telón y miré ese gran reloj abstracto en el centro del escenario, sabía que tenías mucho que decir.
En medio de toda esa energía tuya, había un susurro, un pequeño maullido que nos advertía lo fácil que nos manipula el tiempo, las responsabilidades, la tecnología, la familia, el trabajo y todo eso que podría encerrar en un largo «etcétera». Escuchaba un miau que nos anunciaba como el tiempo puede convertirse en un tornado que nos arrastra por la vida junto a todo lo demás y nos olvidamos de lo que realmente importa: jugar. Pareciera que el sistema/tiempo nos enseña a esconder nuestro Súper Miau interior, nos enseña a ignorar nuestros sueños, a dejar de luchar, nos enseña a rendirnos. Pero por más arrastradas que atravesemos, por más escurrido que esté nuestro maquillaje, el show continua y no queda más que disfrutar el espectáculo y ser nuestros propios héroes. Me encantó la degradación que hubo en tu personaje, porque no era una degradación derrotada sino una degradación con vías a un eminente despegue, una degradación que llevaba a la reflexión, una degradación íntima y personal. Gracias por bajarnos algunas estrellas, por meternos en tus sueños y pesadillas, por regalarnos sonrisas y preocupaciones. Gracias por enseñarnos a no rechazar nuestro alter-ego, a no rechazar a nuestro niño o «inmadurez» interior, sino todo lo contrario, gracias por invitarnos a jugar con ese lado nuestro, por bailar con nuestro niño interior y hacer las paces con nuestros monstruos.
Finalmente, quiero felicitarte por la manera en la que jalaste a tu audiencia, por activar nuestra creatividad, por hacer de los asientos, un escenario más y por compartir con nosotros una porción de tu catarsis escénica.
Fue algo guau, digo mmmiiaaauuu.
PD: El día 19 de Abril del 2018, se estrenó la obra Súper Miau de la actriz y maquillista profesional, Meme García. Admiro la manera en la que la utilería formó parte de tu pequeño caos y la memoria administrativa de tu espacio y cómo te desplazabas entre él. Me abrumó un poco la primera intervención de Súper Miau debido al tiempo el cual se me hizo algo extenso pero que en general fue genial.
PD II: Queda por demás contar de qué va la historia porque considero que eso puede crear expectativa y reducir audiencia. Considero que se podría aprovechar la universalidad del tema que es tan actual y del que todos podríamos relacionarnos. Así que si tienes oportunidad de ver esta obra, dale una oportunidad y te aseguro que pasaras un rato agradable.
Espero que estés bien, Diana. Hace rato que no te escribo. Han sucedido muchas cosas. Tiene tiempo que deseo escribir esta carta, lo que pasa es que me sumerjo en las actividades diarias y olvido todo; son solo las canciones, las personas en la calle o tu nombre lo que me hace recordarte de vez en vez. Te pienso y disfruto hacerlo, luego te dejo ir. Dejo que te vayas tal y como lo he hecho siempre, dejo que tu imagen reviva sentimientos, dejo que me quemen y luego sigo caminando, pedaleando, mirando, escuchando y regreso a la realidad donde no estás tú. Estoy tan acostumbrado a soltarte que por más que odie lo que voy a escribir, es una verdad que detesto: se que si la oportunidad se diera de tenerte, te contemplaría, te abrazaría y buscaría perderme en ti, porque he encontrado la felicidad en mi cobardía, porque me he rendido a la idea de no saber quererte; de no ser suficiente.
Hoy por hoy, ya he sido un esposo,he sido Antonio, político, papá, Ángel y posadero. Todos ellos son personas más reales que yo, más valientes y puros que yo. Son personas que viven en el escenario, que hacen reír y odiar. El teatro me ha dado la oportunidad de conocer los intereses de otras personas, dejando de lado lo que yo quiero. Quisiera dejar de lado a este yo enamorado para seguir, pero me cuesta y es más, no deseo deshacerme de esto: lo más sincero que he sentido hasta ahora. Dime exagerado, dime ridículo porque lo soy; soy eso y más.
Por más que intento olvidarte, siempre habrá algo que me remita a ti. Tu recuerdo es un Fénix. Siento cuando te extingues, siento que mueres y que pierdo el interes; pero es la luna, tu nombre, las canciones, los momentos, las historias reales y ficticias que guardo, todo esto hace que surjas de las cenizas y tu recuerdo vuelve más fuerte. Pero no lo digo con disgusto, al contrario, creo que he aprendido a vivir con ello. Vivo esperando al destino y lo que será de tí y de mí. A veces me pregunto si de no tenerte a mi lado, ¿podré yo olvidarte algún día? Mi amiga dice que te amo en soledad, que solo cuando no pienso en nada; te pienso, y solo cuando no amo a nada; te amo. Eso me da esperanzas.
Es terrible vivir en el hubiera. Toqué a sus puertas hace casi seis años, desde que evité quererte, vivo en el hubiera desde que adopté la idea de no estar a tu altura. No me siento mal, bueno, no tanto como antes. El refugio del hubiera me llevó a crear las más bellas circunstancias. Pensaba en leerte historias con tu cabeza recostada en mis piernas, imaginaba cómo pedirías que me callara o de cómo mencionarías lo triste que es la historia que elegí contarte. Yo te vería y quitaría los cabellos de tu frente. Porque aprovecharía toda ocasión para verte, me entregaría a la contemplación de ti. En tus ratos libres me ayudarías a repasar mis líneas de teatro y serías la pareja; a veces pedirías ser el hombre y querrás que yo lea a la mujer.Imaginaba que reíamos. Vería cómo llenas tu boca de agua e inflas los cachetes para luego hacer esa extraña figura con tus labios cuando saboreas el agua. Intentaría desinflarlo y te molestarías. Correríamos alrededor del cuarto y entre risas caeríamos y ya acostados, te estrecharía entre mis abrazos. Esta utopía habita en el yo que no teme decirte lo mucho que te quiere, es del yo que levanta el teléfono para desearte buenas noches, es el yo que llega de sorpresa con una rosa, el yo que te prepara un chocomilk mientras estudias para tu examen, el yo que te invita a bailar y que te hace reír; es un yo que te hace sentir apreciada, querida y protegida. Es un yo que escucha tus secretos y sueños. Un yo que no le teme a la belleza de tu mirada, un yo que es fuerte y enfrenta sin miedo la proximidad de tu cuerpo. Es un yo que se adueña y que sirve. Un yo que habita la casa del hubiera. En ese hubiera que no existe. Pero para mí sí es real, porque ahí es donde soy feliz porque tu lo estas.
Recuerdo que te decía que le dieras una oportunidad a aquel caballero, lo único que quería era ver cómo ya no podrías ser mía y que al fin tendrías al romántico que te llevara serenata, que te regalara rosas y fuera un mejor guerrero en el amor. Siempre sentía un extraño odio y felicidad cuando contemplaba esas posibilidades. Me pregunto a veces quién ocupa tus pensamientos y me doy cuenta de lo tonto que soy. A veces le pregunto a la Diana que construí en mi utopía que si debería salir con alguna dama; ella me contesta que haga lo que quiera, que al fin y al cabo el imaginario no es real. Las aprendo a querer pero siempre pienso: es bella, pero no es Diana.
Soy un aprendiz y siempre intento no repetir el esquema de manera tan ingenua y patética de actuar que tuve hace años contigo. Me disculpo si te incomodo de alguna forma, si te hago sentir mal porque ese no es el motivo por el que te escribo. Y aunque no se si hay motivo, lo hago para sentir que dentro de todo este imaginario, hay algo que sí es real.Te mando un cálido abrazo y un beso.
Te quiere siempre,
PD: No se si leas mis cartas aun, pero entendería si no lo haces.
Obra presentada el 25 de mayo a las 11:00, 16:00, 19:00 horas en el auditorio del Instituto Tecnológico de Hermosillo. Dirección: Jorge Rojas Fernández
Aquel 25 de mayo, faltando unos minutos para las siete, recordé la invitación que me hizo un amigo, a la presentación de una obra de teatro en la que saldría él, con un papel protagónico. También recordé haberle contestado que ahí iba a estar, así que pedí un Uber y me dirigí al Instituto tecnológico de Hermosillo, que era en donde se presentaría la obra.
Cuando llegué, ubique el teatro de la escuela preguntándole a alumnos de ahí mismo. Entré y ubique un asiento en la primera fila, había llegado a tiempo. A las siete, una maestra llegó con el grupo de la rondalla diciendo que tocarían por un momento mientras el grupo de teatro se preparaba para la presentación. No les tomé foto, pero escribí un tuit con un vídeo de ellos, cantando una canción de los Apson.
Luego de hacer las llamadas correspondientes, las luces se apagaron, se escucharon ruidos de los actores acomodándose en el escenario y las luces se volvieron a encender. La siguiente imagen muestra la puesta de escena a unos minutos de su inicio. Esta sería la última presentación del día, con dos presentaciones previas. Le había preguntado a mi amigo que a cuál me recomendaba ir, él dijo que a la última porque las primeras dos serían presentaciones de ensayo.
Acerca de la obra
Los héroes inútiles tuvo su estreno el 7 de agosto de 1980 por el Grupo Andrés Soler, de la ciudad de México, bajo la dirección de Xavier Rojas, en el patio de la Escuela de Música y Danza de Monterrey. Esta producción pasó de varios centenares de representaciones, y se difundió por televisión. Posteriormente fue el estreno profesional con la Compañía Teatral del Estado de Sonora, el 25 de marzo de 1982, en el teatro del Centro de Convenciones de Acapulco, México, bajo la dirección de Jorge Esma. Fuente: GuillermoSchmidhuber.com
Sinopsis: Tres prisioneros revolucionarios —un viejo indio, un hacendado y un muchacho— pasan la noche anterior a su fusilamiento, en Coahuila 1913. El Capitán gubernista sabe que ellos escondieron un fortín. Un personaje femenino plurifacético va transformándose y en sueños visita a cada uno de los personajes. A la mañana, el viejo y el muchacho quieren decir el secreto, pero no el hacendado. Mediante una estratagema, éste logra que se fusile a los dos timoratos, para luego morir fusilado negándose a decir el secreto, dejando al Capitán desesperado por no encontrar respuesta a su vida. La mujer que abrió la obra y que visitó en sueños a los personajes, al final se presenta ante el público como la muerte… nuestra muerte. Fuente: GuillermoSchmidhuber.com
Mario y Sofía, interpretando a Praxedis y a María, la esposa de Praxedis respectivamente.
Jorge Rojas Fernández. Actor, director y dramaturgo.
La obra está compuesta por 10 escenas en un solo acto. Luego de leer la obra original, es pertinente decir que el director Jorge Rojas hizo una excelente adaptación; removiendo solo lo necesario, sin afectar la fluidez de la trama y logrando mantener lo esencial del obra. Además, el acompañamiento de los guitarristas, que también forman parte de la rondalla de la institución, junto a Grecia, la joven vestida de blanco en el principio; le brindan un plus de musicalidad a la obra.
Las actuaciones, en su mayoría mostraban comodidad durante las interpretaciones, lo cual ayudó bastante en el desenvolvimiento de los personajes. Además, entre los actores se percibía un apoyo envolvente en el diálogo, permitiendo una sucesión agradable a través de la historia.
El escenario y el vestuario fue práctico, de manera que los elementos que lo conformaban resultaron pertinentes acorde a los alcances inmediatos de esta nueva generación de teatro del ITH. Los actores tomaron ventaja del espacio, que como dije, contaba con los elementos necesarios para involucrar el receptor.
Considerando que esta es de las primeras obras presentadas por este grupo de teatro, luego de ver las interpretaciones de cada uno de ellos, siento que la propuesta es bastante prometedora para futuros proyectos. Salí satisfecho de la sala, y le decía a mi amigo que llegué sin esperar nada, sin conocer la obra ni el trabajo del profesor Rojas, pero que me iba con una sensación agradable. Creo que hay mucho potencial en estas personas y espero ver otras puestas en escena de este nuevo grupo de teatro, que busca presentar esta obra en un encuentro de tecnológicos (creo que eso era, no recuerdo muy bien) que se llevará a cabo en el estado de Oaxaca.
De izquierda a derecha: Grecia, Yuvitza, Sofía, Ilenia, Mario, Eduardo, Erick, Juan Carlos, Sebastián y Emiliano.
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Oscar Mares 