En la jungla

Querido Henri,

Creo ser bueno soportando los cambios que a veces llegan de manera inesperada, claro que mi primera reacción suele ser una sensación de repulsión pero suelo agarrar el hilo a la brevedad (a veces con una rabieta incluida). Recientemente he tomado decisiones que han desestabilizado mi entorno. Estas decisiones surgen a partir de una insatisfacción con lo que estaba haciendo. Ya titulado, siento que estoy listo para nuevos retos y de redireccionar la manera en la que he venido haciendo las cosas. Me siento como ese tigre que has pintado en la jungla. Un animal conocido por su fiereza, se le ve encogido, resguardándose de la tormenta, asustado. Si bien hay momentos en los que el miedo parece nublar mis ideas, me ha quedado claro que solo debo ser paciente.

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Pintura contemporánea

Introducción

Oscar Wilde tenía más razón de lo que él mismo creía tener al escribir que «la Naturaleza imita al Arte». Lo que viene a significar que, sin la ayuda del Arte la Naturaleza es indescifrable.

Pintores que hoy nos parecen realistas, como el Greco o Velázquez, pasaron en su tiempo por excéntricos de vanguardia, el uno con sus «crueles borrones», el otro con sus «manchas distantes»: muchos de sus contemporáneos no sabían ver en sus cuadros la verdad cotidiana.

Hasta cierto punto, tienen razón quienes aseguran que la invención de la fotografía trajo consigo la liberación de la pintura de sus fines imitativos; no la tienen a partir del punto en que declaran qué es invento supuso la muerte de la pintura figurativa.

La fotografía supuso la muerte de la mala pintura, de aquella que no basaba su valor en los valores plásticos del propio cuadro (color, composición, textura, grafismo, pasta), sino en su aspecto documental.

«El arte vuelve a ser creación lírica y poética» – Luis Fernández

Y hasta el siglo XIX muchos pintores de segundo orden, e incluso algunos de primero, presentarán como garantía de su arte el haber sido alumnos de otro pintor famoso. El Romanticismo creará el mito del artista incomprendido, el genio maldito de la sociedad filistea. La postura de la pintura moderna será de rebeldía frente a la pintura anterior. En lo personal, cada artista renegará de sus maestros o tratará de hacer lo contrario que ellos, incluso cuando los venere; éste es el caso de los discípulos del refinado pintor simbolista Gustave Moreau: Matisse, Marquet, Camoin, Rouoalt… Si es malo decir a un artista que su cuadro se confunde con la realidad, aún es peor comentar que se confunde con los de su maestro. Nadie reconoce maestros; y, sin embargo, ¿Cuántos pintores actuales están libres de la influencia de Picasso o de Wols, de Vasarely o de Bacon? Ni aún se percatan de ello: recuerdo la sorpresa de un buen pintor actual a quién dice que su pintura me recordaba a Schlemmer; tras un momento de reflexión, me dijo que era cierto, pero que nunca se le había ocurrido. Es que recibimos por ósmosis tal cantidad de informaciones, de formas, de colores o de técnicas, que luego podemos crear las propias de nuestra mente.

#2 Inktober y los beneficios de garabatear

Estaba revisando Instagram, cumpliendo mi tiempo promedio que paso en la app, que según los registros, ¡oscila entre tres y cuatro horas! Considerando que es la única red social que uso, aparte de Whatsapp, creo que está bien. Aunque sí quisiera reducir ese tiempo promedio, pero bueno, ese será tema para otro post. El caso es que mientras veía algunas historias, una amiga publicó el Inktober de este año ¿Pero qué es el Inktober? Según totenart:

Creado por el artista Jake Parker en 2009, el Inktober es un reto que busca mejorar sus habilidades de dibujo. Este challenge consiste en publicar en redes sociales un dibujo realizado con tinta cada día del mes de octubre, es muy sencillo:

1.- Realiza tu dibujo con tinta siguiendo (o no) la temática del día.

2.- Súbelo a tus redes sociales.

3.- Utiliza los hashtags #inktober y #inktober2020

Es una actividad que hasta ahorita estoy entre participar o no. Quiero pero con los pendientes del taller, de los cursos y de mi trabajo como maestro de dos grupos… Aún lo estoy debatiendo. No recuerdo quién lo dijo, pero en el curso de arte contemporáneo nos decían sobre la importancia de pensar en imágenes y tomar notas con dibujos ¡Y es cierto! Recuerdo que en la secundaria, mis notas siempre tenían algún garabato a los lados y conforme fui avanzando en mis estudios, lo fui abandonando. Es un estimulante creativo muy bueno. Me da risa porque ahora mismo mientras escribo esto, me han dado ganas de unirme a este reto de Inktober.

Te comparto las premisas de este año:

Premisas oficiales del Inktober 2020

Giulia Forsythe, apunta que garabatear es una forma de pensamiento externo que conecta personas e ideas, tanto conscientes como inconscientes. Es una forma de soñar despierto que lleva a asociaciones al azar que permiten alcanzar soluciones creativas (Fuente: Verne).

Este reto se supone que lo hacen los que se dedican a dibujar o algo similar, pero la verdad, yo creo que todos deberíamos tomarnos el tiempo de dibujar. Además, me llaman mucho la atención las premisas como «mareado», «esperanza», conceptos más abstractos ¿Cómo representar esas cosas? Ese es el reto, y yo creo que explorar nuestros lado creativo es redescubrir algo que el mismo caos cotidiano y el bombardeado de comerciales e información, han hecho que olvidemos.

Y bien, ¿le entras?

Si quieres saber más sobre los beneficios de dibujar y pintar, te recomiendo leer «Los beneficios de dibujar y colorear de adulto, aunque no tengas ni idea» publicado por Jaime Rubio Hancock. Creo que después de leerlo tendrás ganas de entrarle al Inktober 2020.

Instrucciones para entender tres pinturas famosas (Julio Cortázar)

El amor sagrado y el amor profano por TIZIANO

Esta detestable pintura representa un velorio a orillas del Jordán. Pocas veces la
torpeza de un pintor pudo aludir con más abyección a las esperanzas del mundo
en un Mesías que brilla por su ausencia; ausente del cuadro que es el mundo,
brilla horriblemente en el obsceno bostezo del sarcófago de mármol, mientras el
ángel encargado de proclamar la resurrección de su carne patibularia espera
inobjetable que se cumplan los signos. No será necesario explicar que el ángel es
la figura desnuda, prostituyéndose en su gordura maravillosa, y que se ha
disfrazado de Magdalena, irrisión de irrisiones a la hora en que la verdadera
Magdalena avanza por el camino (donde en cambio crece la venenosa blasfemia
de dos conejos). El niño que mete la mano en el sarcófago es Lutero, o sea, el
Diablo. De la figura vestida se ha dicho que representa la Gloria en el momento de
anunciar que todas las ambiciones humanas caben en una jofaina; pero está mal
pintada y mueve a pensar en un artificio de jazmines o un relámpago de sémola.

La dama del unicornio por RAFAEL

Saint-Simon creyó ver en este retrato una confesión herética. El unicornio, el
narval, la obscena perla del medallón que pretende ser una pera, y la mirada de
Maddalena Strozzi fija terriblemente en un punto donde habría fustigamientos o
posturas lascivas: Rafael Sanzio mintió aquí su más terrible verdad.
El intenso color verde de la cara del personaje se atribuyó mucho tiempo a
la gangrena o al solsticio de primavera. El unicornio, animal fálico, la habría
contaminado: en su cuerpo duermen los pecados del mundo. Después se vio que
bastaba levantar las falsas capas de pintura puestas por los tres enconados
enemigos de Rafael: Carlos Hog, Vincent Grosjean, llamado «Mármol», y Rubens
el Viejo. La primera capa era verde, la segunda verde, la tercera blanca. No es
difícil atisbar aquí el triple símbolo de la falena letal, que a su cuerpo cadavérico
une las alas que la confunden con las hojas de la rosa. Cuántas veces Maddalena
Strozzi cortó una rosa blanca y la sintió gemir entre sus dedos, retorcerse y gemir
débilmente como una pequeña mandrágora o uno de esos lagartos que cantan
como las liras cuando se les muestra un espejo. Y ya era tarde y la falena la
habría picado: Rafael lo supo y la sintió morirse. Para pintarla con verdad agregó
el unicornio, símbolo de castidad, cordero y narval a la vez, que bebe de la mano
de una virgen. Pero pintaba a la falena en su imagen, y este unicornio mata a su
dueña, penetra en su seno majestuoso con el cuerno labrado de impudicia, repite
la operación de todos los principios. Lo que esta mujer sostiene en sus manos es
la copa misteriosa de la que hemos bebido sin saber, la sed que hemos calmado
por otras bocas, el vino rojo y lechoso de donde salen las estrellas, los gusanos y
las estaciones ferroviarias.

Retrato de Enrique VIII de Inglaterra por HOLBEIN

Se ha querido ver en este cuadro una cacería de elefantes, un mapa de Rusia, la
constelación de la Lira, el retrato de un papa disfrazado de Enrique VIII, una
tormenta en el mar de los Sargazos, o ese pólipo dorado que crece en las latitudes
de Java y que bajo la influencia del limón estornuda levemente y sucumbe con un
pequeño soplido.
Cada una de estas interpretaciones es exacta atendiendo a la configuración
general de la pintura, tanto si se la mira en el orden en que está colgada como
cabeza abajo o de costado. Las diferencias son reductibles a detalles; queda el
centro que es ORO, el número SIETE, la OSTRA observable en las partes
sombrero-cordón, con la PERLA-cabeza (centro irradiante de las perlas del traje o
país central) y el GRITO general absolutamente verde que brota del conjunto.
Hágase la sencilla experiencia de ir a Roma y apoyar la mano sobre el
corazón del rey, y se comprenderá la génesis del mar. Menos difícil aún es
acercarle una vela encendida a la altura de los ojos; entonces se verá que eso no
es una cara y que la luna, enceguecida de simultaneidad, corre por un fondo de
ruedecillas y cojinetes transparentes, decapitada en, el recuerdo de las
hagiografías. No yerra aquél que ve en esta petrificación tempestuosa un combate
de leopardos. Pero también hay lentas dagas de marfil, pajes que se consumen de
tedio en largas galerías, y un diálogo sinuoso entre la lepra y las alabardas. El
reino del hombre es una página de historial, pero él no lo sabe y juega displicente
con guantes y cervatillos. Este hombre que te mira vuelve del infierno; aléjate del
cuadro y lo verás sonreír poco a poco, porque está hueco, está relleno de aire,
atrás lo sostienen unas manos secas, como una figura de barajas cuando se
empieza a levantar el castillo y todo tiembla. Y su moraleja es así: «No hay tercera
dimensión, la tierra es plana, el hombre repta. ¡Aleluya!». Quizá sea el diablo
quien dice estas cosas, y quizá tú las crees porque te las dice un rey.

[Podcast] 01- Primeros episodios de "Letras aparte"

Había leído en alguna parte que una vez que te vuelves fan de los podcast, eventualmente te darán ganas de iniciar el tuyo. Así fue, quería hacer uno de entrevistas, sería el pretexto perfecto para acercarme a la gente en el área de las artes. Pero tenía muchas dudas y no me sentía seguro. Pensé en proponer un podcast para los instructores de los clubes de lectura. Gracias a ello, ya tengo una mejor idea sobre cómo hacer el podcast y tengo pensado empezar el podcast que quería hacer desde un inicio. Usé la app de Anchor para grabar y la verdad es una app sencilla que cumple las necesidades básicas para cualquier podcast.

Al principio cuando grabamos el primer episodio para Letras Aparte, varios se veían muy entusiasmados y pues llevamos dos episodios y una intro que numeramos como el episodio cero. Y pues sí, hacer un podcast requiere de mucho compromiso.

El capítulo más reciente es una entrevista a Stephany Zamarripa e Isabel Coronado, dos estudiantes de la licenciatura en artes plásticas en la Universidad de Sonora. Esta entrevista se llevó a cabo durante la sesión del 28 de febrero en mi club de lectura sobre temas de arte. Conversamos acerca del desarrollo de un estilo, cómo la carrera influenció sus vidas personales, la comparación que hicieron entre la carrera de arte plásticas en la UNISON y escuelas del centro del país. Comparte el episodio a quien creas que le interese conocer un poco más sobre la carrera.

PD: Esperamos subir más contenido para aprovechar nuestro tiempo libre en casa, así que esperen actualizaciones.


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[Entrevista] Daniela Cueva y el textil como material, medio de expresión y salvación

Espectadora durante la inauguración de la exposición Adaptación/Petrofilia

La industria de la moda ha derivado en un alto consumo y contaminación del agua y explotación de mano de obra. La artista Daniela Cueva, originaria de Ciudad Obregon, Sonora, hace un reflexión sobre la evolución y la manera en la que el hombre ha adoptado una ideología geocentrista con relación a su espacio natural. A través de su exploración con el material textil y sus conocimientos obtenidos en su formación académica en Ciencias de la fibra y diseños de ropa que estudió en Nueva York, Cueva se aproxima a las problemáticas globales así como a las individuales.

El 20 de febrero en el auditorio del Museo de Arte de Sonora se inauguró la sala Adaptación/Petrofilia. Previa a la inauguración, se llevó a cabo un conservatorio introductorio a la exposición con el curador Octavio Avendaño y la artista Daniela Cueva. En este espacio, la artista comparte un poco acerca del significado de la evolución dentro de su persona, como mujer, artista y mamá. Cueva compara a las rocas con el textil en un paralelismo naturaleza-modernidad. El textil representa para la artista una serie de capas que cubren y salvan, algo que brinda comodidad y que eventualmente se convierte en un hogar.

Durante la exposición, Daniela Cueva me regaló unos minutos para conversar acerca de su obra. Debido al ajetreo del momento, Cueva respondió a las preguntas con su hija Emilia en brazos, quien vestía un vestido con patrones cuadrados de color azul y blanco. Fue un momento en donde no pude evitar empezar con una pregunta respecto a la familia.

Me llama la atención que en la semblanza y de lo que parece abordar la exposición, es el elemento del espacio. Comentabas sobre tu lugar de origen y el lugar en dónde resides actualmente, ¿cómo es que proyectas en tu obra los conceptos del espacio-hogar y familia? 

Es sumamente importante en mi obra porque el hogar viene dentro de mí, yo soy mi propio hogar. No creo que mi familia como tal, físicamente, sea mi hogar, aunque tradicionalmente se hable así. Son más bien como mi zona de confort, o bueno, no se si zona de confort, pero son como mi estabilidad emocional, tal como lo es el textil en mi obra. Básicamente es la reflexión del textil.  

¿Cuáles fueron las posibilidades que te brindo el textil? A través de tu exploración con el material, ¿cómo lo fuiste descubriendo y perfilando para crear? 

Muchos años de manejo del textil como tal. Aparte de que estudié la ciencia de las fibras, el filamento, lo que hay detrás del textil, su peso, su movimiento… tiene vida propia, es algo que a mí me cautivó desde el primer momento que trabajé con él. Y sigo trabajando con él porque sigo fascinada.  

Izquierda: Emilia (hija de Daniela Cueva), Daniela Cueva y yo. Derecha: Superior- Detalle de «Selección Natural» (2020). Inferior- Instalación de «El tiempo de las piedras» (2019)

¿Qué han significado para ti o qué valores les has atribuido a los tipos de textiles y telas? ¿Cómo te apoya el material como tal y su diversidad para llevar a cabo tu obra? 

Es una excelente pregunta, para esta exposición utilicé materiales pesados porque para mí, la evolución es tiempo y una degradación de mucho tiempo. Como lo pueden ver, una evolución de piedras es de miles y miles, y miles de años, de capas y capas de distintos minerales. Eso lo quería reflexionar en el textil, usé textiles muy pesados, por ende, mucho overlapping (como se puede observar en la instalación «El tiempo de las piedras»), o sea que son muchas capas. También se puede ver en los bordados, en donde pasé la máquina como una desquiciada. Quería darle grumo y dimensión. 

¿Cómo extrapolas las características individuales de tu obra hacia lo “universal”? ya sea en cuestión temática o de material. 

El uso del material es algo muy importante en mi trabajo. En los temas, sí creo que tengo temas específicos que quiero abordar, políticos y emocionales. Es lo que está sucediendo con mi persona en ese momento en mi vida. Creo que la biología es un tema que lo pongo mucho en mi trabajo porque amo la naturaleza; es y será parte de mi trabajo siempre. Algo que está sucediendo en el mundo actual es que estamos en guerra con el desastre natural. Es un tema que seguiré trabajando, quizá toda mi vida. 

Sería muy interesante ver hacía dónde se dirigirá tu trabajo debido a las problemáticas de cambio climáticocalentamiento global… 

Sí, y como especies, tal vez no lo dije muy claro, pero nos hemos puesto como el centro del universo, como los invencibles. Según nosotros teniendo responsabilidad, pero realmente no somos más que uno más de ellos, o sea, compartimos los mismos microorganismos que una planta. Estamos compuestos de los mismos elementos que estuvieron compuestos todos los seres vivos en este planeta. Para mí es una necesidad hablar de eso y creo que seguiré en el tema por mucho tiempo. 

¿Cómo llegaste a ese punto? Porque hablas acerca del consumismo con respecto a la moda y el diseño. Quisiera saber sobre ese momento en el que te detuviste y cuestionaste lo que hacías para luego dar un giro hacia el arte y comunicar tus mensajes a través de lo que haces. 

Como tú mismo lo dijiste, me di cuenta en un punto específico de mi vida. Estudié y trabajé en la industria por varios años. Sí pude haber seguido pero el arte para mí, siempre ha estado en mi vida. Pero sí fue como un “¿qué vas a hacer para solucionar este problema?”, por el que estamos pasando todos. Y yo no podía dejar de pensar en otra cosa más que crear, expresarme, sacar todo este enojo que traigo adentro; y fue a través del textil, mi medio.  

Durante la exposición tuvimos la oportunidad de hablar con tu cuñada y nos comentaba que todas las prendas son recicladas y que algunas son de tu familia ¿Cómo crees que se haya visto reflejado la idea de las generaciones familiares y la etapa de mamá que estás viviendo? 

Todo. De hecho, una de las obras se llama “Selección natural” y justo lo dice todo. Es una obra hecha de un vestido que era mío, que mi mamá me donó para Emilia (hija de Daniela Cueva), pero dije “creo que le voy a dar un mejor uso”; lo recorté y lo puse en la obra. Esa pieza de eso habla, del ADN y de que estamos compuestos de todas nuestras trayectorias y hasta compartimos memoria de nuestros antecedentes.  

Detalle de «Selección Natural» (2019)

Muchas de las telas que utilizas tienen patrones, ¿qué valor le atribuyes como lenguaje plástico? Para ti ¿qué significado tienen los patrones? 

El patrón es todo para mí, es parte de mi esencia. No nomás nosotros los seres humanos, todos los organismos en este mundo se manejan por patrones; lo ves en los pájaros cuando danzan, ese tipo de cosas que ni siquiera hemos investigado y que según nosotros tenemos la responsabilidad de hacer. No sabemos ni porque bailan, pero bailan en patrones, en los árboles existen patrones en las raíces y todo, según yo, ya sería física cuántica, pero sí, es un tema que me llama mucho la atención y definitivamente está en mi trabajo.  


PD: Espero que tengan la oportunidad de visitar esta exposición, que para mí fue una oportunidad de dialogar con mi pareja debido a que fue un punto convergente entre nuestras disciplinas académicas: ciencia y arte.


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Cómo se mira un cuadro

El historiador y crítico de arte Lionello Venturi hace las siguiente anotaciones acerca de la observación de un cuadro y de la apreciación del arte en general. Venturi comenta que probablemente alguien prefiera una obra de Renoir sobre Cézanne. Escribe que las preferencias individuales son siempre arbitrarias. Aunque por su característica individual, esta preferencia nunca se equivoca, más nunca es exacta. En el proceso de formación de un juicio en el arte, la preferencia individual no puede evitarse. Dentro de estas preferencias, la persona deberá reconocer la cualidad de Cézanne aún y cuando tenga una inclinación por Renoir. De esta forma, la cualidad de una obra de arte no depende de la atracción que ejerce en la gente. La pieza tendrá una cualidad objetiva, una cualidad en sí misma; estas características la convierten en arte.
Al reconocer las cualidades y dejar de ser dominados por la preferencia arbitraria, comenzamos a penetrar en la crítica de arte.

La crítica de arte

Las declaraciones orientadas en preferencias no tienen margen de error debido a su individualidad. En cambio, las conclusiones críticas son correctas o equivocadas. No todo puede comprobarse por el razonamiento, pero deben estar fundadas en cierta prueba. Para que un juicio artístico sea posible hace falta la sensibilidad artística. Para enriquecer la sensibilidad:

  • Se debe observar el arte (mucho arte)
  • Hacer ejercicios de comparación entre los criterios externos y los propios
  • Esto conlleva a un desarrollo de criterio

Esta sensibilidad se transformará en ideas. Sin ideas, la sensibilidad no puede desarrollarse. Debe haber un equilibrio recíproco entre sensibilidad e ideas, ya que demasiada sensibilidad podría terminar en lecturas impresionistas y sin fundamento; lo contrario a ello es una lectura erudita llena de datos y hechos que no exploran la base de las emociones.

Para acercarnos a lo bello de cada obra y explorar un juicio crítico, debemos reconocer que la belleza no tiene el mismo valor entre las personas. Para Van Gogh la belleza no es lo mismo que para Dalí o Monet. Para comprender la belleza, debemos comprender la imaginación del artista.

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La pintura no es artística hasta que…

La pintura ha sido valorada por la crítica por diversos motivos. La crítica clásica se guiaba a través de los temas. Si el tema de la pintura se alineaba a los del crítico y la sociedad, la pintura era bella. Por un tiempo se buscó que la pintura tuviera características realistas para atender a las necesidades de las áreas científicas. Afortunadamente se llegó a la conclusión que el arte tiene un valor por su contribución humana a nuestra vida, su sugestión a nuestras sensaciones, a nuestro sentimiento e imaginación. La pintura a pesar de tener temas semejantes, hay representaciones diversas de lo mismo. Si buscamos imágenes de Madonna y el niño, los resultados serán variados.

Venturi anota acerca del concepto tema, contenido y forma al hablar sobre el arte.

Tema: Lo que el artista ha reproducido – Madonna y el niño. El tema puede tener valor intelectual, moral y económico, pero no artístico hasta que haya sido transformado por el artista.

Contenido: La forma en la que concibe el tema – el amor que el pinto siente al elegir a una amada como modelo para la Madonna o puede que sea la devoción. Puede tener valor sentimental pero no artístico hasta que la imaginación del artista lo realice en una forma individual.

Debemos recordar la relación entre la imaginación del pintor y la plasticidad. La representación particular que constituye el estilo del artista, es también símbolo de su imaginación.

Este principio de la unidad de contenido y la forma hace que el crítico se aferre a la obra de arte y no a la forma de creación. Cada pintura que no es una obra de arte ha sido hecha con algún propósito fuera del campo de arte, ya sea científico o moral, económico o pasional.

Lionello Venturi

Todos esos factores morales, económicos, pasionales, etcétera, guiarán al crítico como un reactivo que dejará más claro el tipo de personalidad artística del autor del cuadro que este frente a nuestros ojos.

Un grito que convoca a las artes [Diario]

Fragmento de «El grito» 1893

Desde que inició este semestre, sabía que quería presentar algo audiovisual como proyecto final para la materia de teoría literaria 2. Hace unas semanas le propuse a Doria que se uniera conmigo para el trabajo final que aún no tenía muy claro. A veces me pasaba ratos pensando de qué sería ese trabajo final, hasta que un día, mientras scrolleaba en mi feed de Instagram, me topé con un vídeo de INSIDER. En un minuto explicaba que Giulia Bartrum, curadora de una exhibición dedicada al pintor noruego en el British Museum, decía que el grito no surge del sujeto en la pintura sino que está escuchando el grito que proviene desde afuera. Ella se basa en una litografía de Munch que a diferencia de las obras a color, este tiene escrito: “I felt the great scream throughout nature.” [«Yo sentí el gran grito de toda la naturaleza»]. Ahí supe que esa obra sería un buen objeto de estudio para un proyecto y para ver las posibilidades de la interpretación.

A grandes rasgos, el proyecto consiste de los siguientes pasos:

  1. Entrevista con docentes de artes plásticas: Adriana Salazar y Leonel de Gunter.
  2. Entrevista con el profesor de música, Alejandro Corona, pianista y compositor mexicano.
  3. Una ejecución dancística de los alumnos de cuarto semestre en artes escénicas, coordinados a través de la maestra Abigail Nuñez y de Mario Lagarda.
  4. Entrevista con docentes de literatura: Manuel Llanes, Daniel Avechuco y César Avilés.

Buscamos que estas disciplinas se vean entretejidas, de manera que la información de los docentes de plásticas son la base del proyecto. De la misma manera, las personas de escénicas dependerán de lo que el maestro Alejandro Corona proponga en cuestión musical y trabajarán con las piezas que él crea atribuible a «El grito». La contribución de los maestros de literatura son más que nada, un elemento complementario para así explorar las posibilidades de la interpretación a través de la multidisciplina.


Lo que falta

Por el momento, aún tenemos pendiente las interpretaciones escénicas, la entrevista con los docentes de plásticas y la grabación de elementos composicionales para acompañar a las entrevistas. Sabemos que la parte de edición va a hacer una de las más complicadas del proceso, sólo esperamos que no nos tome más de las semana, para así coordinarnos con los otros trabajos finales del semestre.

Otro elemento importante por revisar es el aspecto teórico del proyecto, el cual consiste en revisitar los textos de Susan Sontag «Contra la interpretación», Umberto Eco «La sobreinterpretación de textos» y de Jonathan Culler «En defensa de la sobreinterpretación». Añadido a esto está lo de localizar la mayor cantidad de referencias populares y como la obra de «El grito» ha sido apropiado por diversas vertientes comunicativas y artísticas.

Con el libro «Expresionismo» de Ashley Bassie, en los pasillos del departamento de letras y lingüística.

¿Cómo se escucharía «El grito»?

A continuación les adjunto el vídeo de la pieza musical que el profesor Corona nos sugirió como el elemento musical que podría ser representativo del cuadro. Esta será la pieza que las personas de danza utilizarán.


PD: De verdad estoy agradecido con las personas que se siguen uniendo al grito para participar en este proyecto, regalándonos su tiempo y apoyo. Espero publicar el vídeo aquí en el blog una vez que esté terminado.

PD II: Uno no puede evitar la expectativa, así que aspiramos a algo grande para ver cómo será el alcance y producto final.

PD III: Sin duda, el llegar a conocer y acercarnos a las otras áreas de la división de bellas artes, ha sido lo más cool del proceso.


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La deambulación del cuerpo en «50 años/ 50 obras» de Eva Laura Moraga

Imagen publicitaria de la inauguración de «50 años/ 50 obras»

«Duelos», así se llama la primera obra que vi de Eva Laura Moraga (Monterrey, 1946), la cual se encuentra en la sala 1 del Museo de Arte de Sonora, titulada «Sonora 1.0 Apuntes para una colección». En esa sala se encuentran condensados los trabajos de diversos artistas sonorenses, mexicanos y extranjeros en la que su obra se desenvolvía en temáticas del desierto o que simplemente habían desarrollado parte de su obra en Sonora. No había pensado en tener la oportunidad de ver otros trabajos de aquella artista que pintó aves cayendo cerca de rostros melancólicos.

«Duelos» Acrílico 2016. Fuente: MUSAS

50 años/ 50 obras

El día 11 de abril del 2019, el museo inauguró «50 años/ 50 obras», misma que estará en exhibición durante todo el verano. A través de esta exposición curada por Octavio Avedaño Trujillo, surge la posibilidad de conocer más de cerca el trabajo de Moraga y observar su evolución por medio de las obras selectas. Pero más que armar una crónica de la inauguración, lo que propongo en esta entrada es dialogar con la semblanza de la sala, comentar la forma que propone Avedaño en el acomodo de las piezas y finalmente, hacer breves bosquejos analíticos de las obras presentadas en esta exposición.

«Magia nocturna» Monotipo 76×58 cm 2008

Notas sobre la semblanza

«El espíritu de esas múltiples propuestas temáticas y formales de los creadores surgió a partir del periodo posrevolucionario, entorno favorecedor a la conciencia social de los artistas que, posteriormente y con los ideales nacionalistas de modernidad, modificó gradualmente sus contenidos, sus aspiraciones individuales y a la vez sus deseos cosmopolitas» – Sofía Neri. Fuente: Siempre!

Ese es un concepto con el que inicia la semblanza de la exposición: «arte posrevolucionario». El curador inicia desde los maestros de Moraga tales como José Lascarro, Mariano Paredes, Arturo Estrada y Nunik Sauret, y añade notas acerca del imaginario que manejaban; esto con el fin de conocer los antecedentes de la artista. Más adelante se comenta acerca de su estancia en Ciudad de México y la solidificación de un lenguaje propio al estar en Hermosillo, Sonora. Se hacen referencias en un lenguaje poético acerca de la manipulación de diversas técnicas como el monotipo, resinas de aguafuerte, la xilografía, grabado y otras más como la tinta china. Algo que muchos de los presentes pasaron por alto al leer la semblanza (me apoyo en comentarios que escuché: «Se empieza por aquí» «¿por qué hay una del 2003 por acá?») es que Avedaño no propone un acomodo cronológico de las obras, sino que explora el lado discursivo y simbólico de las piezas, invitando al espectador que se atreva a generar interpretaciones ya sean lecturas eróticas, políticas o poéticas. Queda para los curiosos ir trazando la cronología artística por cuenta propia. Aunque cabe señalar que hay una línea de tiempo incluida en la exposición, pero que se enfoca solamente en acontecimientos familiares y de eventos relevantes en la vida artística de Moraga.

«Refiguraciones» Óleo sobre tela. 80×60 cm. 2000

Cuerpos deambulantes

Pienso que mi bagaje de estudiante de literatura hace que intente buscar los aspectos narrativos en las obras plásticas que veo. La narración en las obras de Moraga trascienden los límites de una pieza y lo que esta exposición facilita, es ver esta antología como un todo. Los cuerpos en sus piezas parecen deambulantes, lo cual es curioso ya que la artista tiene una colección titulada «Deambular urbano». Esta deambulación es curiosa, explorativa, frágil, torpe y brusca. Algunos cuerpos parecen haber encontrado la tranquilidad dentro del mundo que habitan, eso o simplemente se rinden. Esto se ve reflejado en las miradas de alguna de las piezas como «Personajes» (imagen 4) o «Cuarto rojo» (imagen 1). El cuerpo nos lleva luego a la fisionomía, en este caso: el cuerpo femenino, que juega un papel preponderante en su obra. Gran parte de los cuerpos que remiten lo femenino, suelen estar de espaldas, de perfil, envueltas, escondidas o a veces presionadas sobre otras. Pero esta característica de cerrarse al espectador no se compara por cómo se ven influenciadas por el cuerpo masculino, cuando este llega a estar en el mismo espacio.

La existencia de la figura masculina en el cuadro puede ser corpórea o simbolizada a través del color rojo, mismo que también aparece para sugerir algún aspecto violento. Tal como lo hace en «Tiempos y lugares V» (imagen 3), «Cuarto rojo», «Ventana» y la imagen 5, la cual me parece una de las más violentas debido a la manera en la que el color se desborda de los márgenes delineados por Moraga. Esta deambulación es de carácter ambiguo, uno no puede decir que son cuerpos torpes (aunque ya lo escribí y pueden ser vistos así), porque estos cuerpos parecen seguir una extraña dinámica dentro del mundo que habitan, una dinámica que a veces queda al descubierto y es cuando encontramos rostros viéndonos fijamente, no con temor, sino con angustia, tal vez odio, como si la armonía corpórea que proponen algunas piezas, fuera algo que no deberíamos estar viendo. Es en ese momento cuando el espectador es la pieza y deambula a ver la siguiente obra de la sala. Pareciera que vemos a través de distintas piezas, el funcionamiento de un mismo mundo y es ahí donde se resguarda el lenguaje de Moraga.

«Pertinaz distancia» 48×59 cm. 2001

PD: La imagen superior fue una de mis piezas favoritas. Partiendo desde el sujeto aparentemente despierto, ¿cuál podría estar más lejos, esa constelación o el cuerpo que está a su lado?…


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Reseña: «Conjunto vacío» de Verónica Gerber Bicecci

Autor: Gerber Bicecci, Verónica
Título: Conjunto vacío
Fecha de publicación: 2015
País: México
Editorial: Almadía
Formato: Físico. Pasta blanda.
No. Páginas: 213 páginas
Género: Narrativa, Novela, Literatura contemporánea

Sinopsis

A través de múltiples pasajes, este libro construye una historia de agujeros que aparecen dentro de otros agujeros. Es la historia de una ruptura amorosa que desemboca en un viaje a las raíces familiares. Verónica, hija de exiliados argentinos radicados en la Ciudad de México, debe regresar a vivir en el departamento del que su madre desapareció paulatinamente. Cuando las palabras son insuficientes, balbucean o se descomponen, dejan su lugar a dibujos y abstracciones. Conjunto vacío ensaya un idioma propio, hecho de letras, diagramas y espacios vacíos.

Reseña

La narrativa tiene sus recursos literarios de los cuales cada uno cumple algún propósito en específico dentro de la historia. Verónica Gerber utiliza no sólo los recursos literarios, sino los plásticos también. Dentro de la novela, las ilustraciones no tienen acompañamiento de texto, ni el texto previo alude al cien por ciento a la ilustración. Se trata de un juego de lecturas en donde la representación plástica no queda sometido al texto, al contrario, adquiere un nivel narrativo igual de importante. Haciendo uso de los diagramas de Venn, la autora nos propone aventurarnos en el espacio matemático y adjudicarle tintes narratológicos a cada ilustración.

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