Hoy inició el Programa de Actualización de Arte Contemporáneo y las preguntas junto con las reflexiones, no se hicieron esperar. Entre los propósitos de este espacio está el complejizar el pensamiento crítico para poder explicar el propósito de nuestro trabajo. Coordinados por Octavio Avendaño Trujillo, curador y crítico de arte, se asentaron las primeras preguntas:
¿Por qué te consideras artista?
¿Por qué no generas otra cosa o por qué no te dedicas a otra cosa?
¿Se puede pensar el arte como una forma de filosofía?
REPOST: Originalmente publicado en UNISON.MX por Jesús Alberto Rubio
Con el propósito de crear textos descriptivos a partir de una obra de arte, de septiembre a diciembre del 2020 se llevó a cabo un taller de lectoescrituras denominado Écfrasis a pluma y pincel, actividad que se dirigió a nueve personas de Hermosillo y Bacobampo.
Oscar Mares, coordinador del taller, que se ofreció de manera virtual, precisó que las obras vistas en la sesión fueron apropiadas por los participantes, quienes las conceptuaron como un medio de expresión de sentimientos.
El estudiante del último semestre de la Licenciatura en Literaturas Hispánicas de la Universidad de Sonora informó que a través del diálogo generado en el taller se habló sobre el arte moderno y el contemporáneo, así como del quehacer artístico en general.
“El arte tiene la posibilidad de abrir puertas que se nos ha olvidado que tenemos; se nos olvida nuestra capacidad de crear al estar tan sumergidos en el hábito de sólo consumir (noticias, películas, series, fotos…)”, subrayó.
Al respecto, Oscar Mares apuntó “hemos reducido nuestros sentimientos a gifs y emojis, a tal grado que tememos confrontarlos”, y planteó que el arte nos invita a detenernos y descubrir una infinidad de posibilidades en una página en blanco, en el lienzo vacío o en un espacio abandonado.
“Esta invitación abierta está dispuesta en un librero, en el arte urbano, en una película inexistente del catálogo de streaming, en la música, en el cuerpo y en nuestra no perfección que nos permite crear extensiones artísticas del mundo exterior o interior”, añadió.
Por ello afirmó que los talleres o charlas de arte no deberían darnos afirmaciones inamovibles, sino preguntas que inviten a querer seguir buscando respuestas.
Oscar Mares indicó que en la actividad participaron como instructores alumnos y egresados de la Licenciatura en Literaturas Hispánicas, y dio a conocer que actualmente gestiona un podcast de entrevistas sobre artistas sonorenses llamado “De artista a artista” (Más información en el Instagram: @artista.a.artista o en https://linktr.ee/artista.a.artista.
Hoy escuché una charla TED que se llamaba “The 1 minute secret to forming a new habit” (El secreto de l 1 minuto para formar nuevos habitos) de Christine Carter. Habla sobre como a veces nos proponemos hacer algo y que al inicio empezamos muy bien pero eventualmente la motivación se agota y nos empezamos a sentir frustrados. Supongo que esta publicación atiende a mi reacción luego de escuchar lo que decía Carter. Ella comenta que intentó convertir el salir a correr en un habito. Comenta que luego de algunos intentos fallidos, solo se permitió correr un minuto. Aunque no corría literalmente un minuto, la idea de que solamente era un minuto le daba un margen para hacerlo todos los días. Comparte que cuando no tenía nada de ganas de correr, solo recordaba que era un solo minuto y lo hacía, era poco pero comparado con nada, un minuto era mejor. Ella dice que eventualmente esa costumbre se automatiza y que el cuerpo o la mente lo empieza a luego a hacer por si solo.
He querido escribir sobre las cosas que he estado haciendo o como me he estado sintiendo recientemente, pero nomás no me doy ese tiempo. Este blog es como mi rincón, creo que es donde permito fluir algunas ideas o pensamientos que ni siquiera comparto en mis redes. No escribo porque supongo que tengo esta idea de que una publicación de mi blog debe tener una cierta extensión y propósito… y pues ni al caso, no veo por qué tenga que ser así. Quisiera aplicar el método que comparte Carter y ver si así empiezo a escribir más. Pienso aplicarlo para ver si funciona lo de brincar la cuerda también. Lo que más me entusiasma es compartir algunas cosas que han pasado por mi mente últimamente, pero eso ya será otro día.
Este año he querido iniciar con episodios especiales del podcast haciendo una lectura del libro “Piensa como un artista” de Will Gompertz. Me gustó el libro porque tiene una orientación muy similar a lo que el podcast busca hacer: provocar e invitar a la creación artística. A continuación dejo la información de este lectura conjunta.
Autor: Michael Ende Título: Momo Fecha de publicación: Enero 2016 (Originalmente publicado 1973) País: Alemania Editorial: Alfaguara Formato: Físico No. Páginas: 320 páginas Género: Literatura infantil y juvenil
Sinopsis
Momo es una niña muy especial, posee la maravillosa cualidad de hacer sentir bien a todo aquel que la escucha. Pero la llegada de los hombres grises, que pretenden apoderarse del tiempo de las personas, va a cambiar su vida. Será la única en no dejarse engañar y con la ayuda de la tortuga Casiopea y del Maestro Hora, emprenderá una aventura fantástica contra los ladrones de tiempo.
Reseña
Momo es una historia que puse en pausa a lo largo del año y me parece que lo he terminado en el momento perfecto: en un fin de año. Lleno de personajes entrañables que narran las diferentes maneras en la que una vida sin juego, sin rumbo y sin una clara visión de nosotros mismos, es solo una vida monótona, de apuros, cansancio, frustraciones y en donde el tiempo pareciera nunca ser suficiente. Momo nos cuenta sobre la llegada de los hombres grises a un pequeño pueblo y cómo logran convencer a todas las personas que la calidez de sus tratos y costumbres de convivencia, les está ocasionando “perdida de tiempo”. Esta en manos de Momo y sus amigos en hacerle ver a la gente el daño que esos hombres grises están ocasionando. Esta misión se vuelve más y más difícil, y no será hasta la llegada de otros fascinantes personajes; entre ellos una carismática tortuga llamada Casiopea, cuando Momo tendrá la posibilidad de salvar a las personas de esos fríos y cenizos hombres grises.
Espero que estés muy bien. Hace mucho no te escribía. Pasó algo curioso, fíjate que debido a las dimensiones pequeñas de mi actual hogar, tuve que poner mis libros en la parte superior del clóset. Para tomarlos, debo subirme a la cama y si el libro se encuentra muy arriba, a veces debo pararme de puntas. En mi más reciente búsqueda, que ahorita mismo ya no recuerdo específicamente qué buscaba, me encontré con tu libro. Lo vi por un rato y en mi cabeza me empecé a debatir si debería retomarlo. Cuando estaba por negarme, me encontré con un separador, lo vi y luego empecé a leer la página en donde estaba. No pude parar de leer, Momo, ¡me volviste a atrapar! Curiosamente, al mismo tiempo pensaba que leer tu libro en estos momentos sería una perdida de tiempo, me decía “Pero debería estar leyendo sobre arte realista” “Debería leer un artículo sobre la artista que debo investigar” “Debería…” y así llegaron varios “debería”.
Momo, estoy preocupado, me he puesto a pensar en si tal vez me he abierto una cuenta de ahorro de tiempo, porque tal y como viene en tu libro: soy un paranoico ¡tomo tiempo hasta de mis momentos divertidos! Me he vuelto un protector de “mi tiempo” ¡he querido hasta convertirme en un hombre gris! (literal) Verás, sigo a un influencer minimalista que aboga por tener cambios de ropa iguales, casi todo gris, según para aumentar tu productividad, ahorra tiempo y gastar menos dinero. Yo no he logrado ser como él, y ahorita no se si quiera.
Mañana iré a la playa con mi novio, Momo, y de verdad me la quiero pasar bien. No quiero pensar en el trabajo, ni en mis pendientes. Quisiera recostarme, disfrutar de su compañía, ver el mar, tal vez intentar dibujar el paisaje (fíjate que he intentado retomar el dibujo, no soy bueno, pero me agrada), recitarle un poema a mi novio o simplemente contemplarlo mientras me hable. No lo se, Momo, siento que estoy algo sensible y quisiera disfrutar esa sensibilidad, no quiero apresurarme, quiero disfrutar de los pequeños detalles… no quiero estar subordinado al ahorro de mi tiempo.
En fin, te contaré cómo me fue. Muchas gracias por leerme, Momo, te mando un fuerte abrazo. Te estaré viendo entre tus páginas.
Hola, es probable que si estás leyendo esto es porque te dio curiosidad el taller y la neta eso me da mucho gusto, te invito a que sigas leyendo. Mira, el asunto está así: hice este taller para que inventemos historias basadas en obras de arte, facilito ¡No dejes que la palabra écfrasis te asuste! Mi error de incluir esa palabrita, pero aquí te la epxlicao a grandes rasgos, no te preocupes. Dejando eso claro, te invito que te acerques a la sesión cuando quieras, sin importar si ya no pudiste entrar a la sesión de romanticismo o a la de surrealismo, tú súbete al barco sin importar qué tan cerca o lejos estemos a la conclusión del taller. Siempre hay algo nuevo que aprender cuando se trata de arte y en esta ocasión te invito a que aprendamos juntos.
En esta página encontrarás toda la información sobre el taller, pero las importantes:
El siguiente documento condensa la información de esta página en un documento pdf. En él puedes encontrar los enlaces a las sesiones y al grupo de Whatsapp:
Esta detestable pintura representa un velorio a orillas del Jordán. Pocas veces la torpeza de un pintor pudo aludir con más abyección a las esperanzas del mundo en un Mesías que brilla por su ausencia; ausente del cuadro que es el mundo, brilla horriblemente en el obsceno bostezo del sarcófago de mármol, mientras el ángel encargado de proclamar la resurrección de su carne patibularia espera inobjetable que se cumplan los signos. No será necesario explicar que el ángel es la figura desnuda, prostituyéndose en su gordura maravillosa, y que se ha disfrazado de Magdalena, irrisión de irrisiones a la hora en que la verdadera Magdalena avanza por el camino (donde en cambio crece la venenosa blasfemia de dos conejos). El niño que mete la mano en el sarcófago es Lutero, o sea, el Diablo. De la figura vestida se ha dicho que representa la Gloria en el momento de anunciar que todas las ambiciones humanas caben en una jofaina; pero está mal pintada y mueve a pensar en un artificio de jazmines o un relámpago de sémola.
La dama del unicornio por RAFAEL
Saint-Simon creyó ver en este retrato una confesión herética. El unicornio, el narval, la obscena perla del medallón que pretende ser una pera, y la mirada de Maddalena Strozzi fija terriblemente en un punto donde habría fustigamientos o posturas lascivas: Rafael Sanzio mintió aquí su más terrible verdad. El intenso color verde de la cara del personaje se atribuyó mucho tiempo a la gangrena o al solsticio de primavera. El unicornio, animal fálico, la habría contaminado: en su cuerpo duermen los pecados del mundo. Después se vio que bastaba levantar las falsas capas de pintura puestas por los tres enconados enemigos de Rafael: Carlos Hog, Vincent Grosjean, llamado «Mármol», y Rubens el Viejo. La primera capa era verde, la segunda verde, la tercera blanca. No es difícil atisbar aquí el triple símbolo de la falena letal, que a su cuerpo cadavérico une las alas que la confunden con las hojas de la rosa. Cuántas veces Maddalena Strozzi cortó una rosa blanca y la sintió gemir entre sus dedos, retorcerse y gemir débilmente como una pequeña mandrágora o uno de esos lagartos que cantan como las liras cuando se les muestra un espejo. Y ya era tarde y la falena la habría picado: Rafael lo supo y la sintió morirse. Para pintarla con verdad agregó el unicornio, símbolo de castidad, cordero y narval a la vez, que bebe de la mano de una virgen. Pero pintaba a la falena en su imagen, y este unicornio mata a su dueña, penetra en su seno majestuoso con el cuerno labrado de impudicia, repite la operación de todos los principios. Lo que esta mujer sostiene en sus manos es la copa misteriosa de la que hemos bebido sin saber, la sed que hemos calmado por otras bocas, el vino rojo y lechoso de donde salen las estrellas, los gusanos y las estaciones ferroviarias.
Retrato de Enrique VIII de Inglaterra por HOLBEIN
Se ha querido ver en este cuadro una cacería de elefantes, un mapa de Rusia, la constelación de la Lira, el retrato de un papa disfrazado de Enrique VIII, una tormenta en el mar de los Sargazos, o ese pólipo dorado que crece en las latitudes de Java y que bajo la influencia del limón estornuda levemente y sucumbe con un pequeño soplido. Cada una de estas interpretaciones es exacta atendiendo a la configuración general de la pintura, tanto si se la mira en el orden en que está colgada como cabeza abajo o de costado. Las diferencias son reductibles a detalles; queda el centro que es ORO, el número SIETE, la OSTRA observable en las partes sombrero-cordón, con la PERLA-cabeza (centro irradiante de las perlas del traje o país central) y el GRITO general absolutamente verde que brota del conjunto. Hágase la sencilla experiencia de ir a Roma y apoyar la mano sobre el corazón del rey, y se comprenderá la génesis del mar. Menos difícil aún es acercarle una vela encendida a la altura de los ojos; entonces se verá que eso no es una cara y que la luna, enceguecida de simultaneidad, corre por un fondo de ruedecillas y cojinetes transparentes, decapitada en, el recuerdo de las hagiografías. No yerra aquél que ve en esta petrificación tempestuosa un combate de leopardos. Pero también hay lentas dagas de marfil, pajes que se consumen de tedio en largas galerías, y un diálogo sinuoso entre la lepra y las alabardas. El reino del hombre es una página de historial, pero él no lo sabe y juega displicente con guantes y cervatillos. Este hombre que te mira vuelve del infierno; aléjate del cuadro y lo verás sonreír poco a poco, porque está hueco, está relleno de aire, atrás lo sostienen unas manos secas, como una figura de barajas cuando se empieza a levantar el castillo y todo tiembla. Y su moraleja es así: «No hay tercera dimensión, la tierra es plana, el hombre repta. ¡Aleluya!». Quizá sea el diablo quien dice estas cosas, y quizá tú las crees porque te las dice un rey.
Comparto esta imagen aquí porque me alegra saber que esas tardes que le dediqué a delinear la idea, haya valido la pena y que la propuesta haya sido seleccionada. Si bien este interés por el arte lo rastreo desde la mini presentación de la psicología de los colores en la película de Mad Max: Fury Road para la clase de estética, nunca pensé que llegaría al grado de llevar clubs de lectura y escritura. Pero me alegra saber que fue así y la verdad no me queda más que seguir leyendo y preparándome porque el mundo del arte es algo abrumante. Por eso para este taller decidí dejarlo en el área del arte moderno. Les comparto algunas imágenes sobre el taller:
El taller va dirigido a un sector joven pero la verdad cualquier persona interesada en el tema es más que bienvenida. Honestamente estoy algo nervioso porque me interesa mucho proporcionar un taller de calidad y como reconozco que soy una persona en proceso de aprendizaje en estos temas; se que la investigación y la lectura serán mis mejores aliadas. Esta dinámica autodidacta a la vez, me ha puesto a pensar sobre la vasta cantidad de información a la que tenemos acceso sobre el arte y eso me hace feliz.
Finalmente, les comunico que la imagen oficial del taller estará fijo en el blog en la parte derecha de las páginas. Si le dan clic en la imagen, los enviará a que manden un correo a taller.club.arte@gmail.com y así yo les haga llegar toda la información de inscripción.
El siguiente texto se basa en las cápsulas Fases: La construcción del cuerpo de Antares Danza Contemporánea en el marco de las Fiestas del Pitic 2020 / Edición Virtual. Empezaré haciendo una reflexión sobre mi acercamiento al trabajo de Antares para contextualizar un poco desde dónde escribo. Luego haré algunas notas sobre cada una de las cápsulas de Fases.
Necesidad de movimiento
La primera vez que vi el trabajo de la compañía Antares, fue precisamente en las Fiestas del Pitic en su edición del 2016 o 2017 con Desatados. En ese momento no sabía lo que tenía frente a mí, era mi primer año como estudiante en la universidad y el movimiento artístico de Hermosillo creaba un amplio contraste con Agua Prieta, mi ciudad natal.
Durante mi último año de la carrera de literaturas hispánicas, mi cuerpo me empezó a pedir que lo moviera. Sí lo había hecho, siempre he bailado, pero nunca le había dedicado el tiempo para entrenarlo con el fin de bailar. Por mucho tiempo veía a la danza como mi lugar privado, mi intimidad. Me presentaba en todos los Floricantos (evento artístico de la carrera que se realizaba alrededor de 3 veces por semestre) y otros eventos; en cada presentación mi cuerpo generaba una energía que partía desde la catarsis. Hubo personas que se me acercaban diciéndome que lo que hacía estaba bien pero que me hacía falta entrenamiento para no lastimarme. Con el tiempo me di cuenta que era cierto, no solo me empecé a dar cuenta de las emociones que sentía, sino que fui consciente de el dolor de mis piernas, la brusquedad de mis movimientos, el impacto que tenía sobre mis rodillas al tirarme en el suelo, el dolor ocasional en mis hombros, así como raspones y moretones.
Al pasar el tiempo me di cuenta que debía darle algo de danza a mi cuerpo, así que empecé a asistir a las presentaciones de danza contemporánea de lo estudiantes de escénicas. Las comentaba, a veces aquí mismo en mi blog o con mis compañerxs. Un día, al estar viendo una presentación de danza (no recuerdo exactamente cuál fue) en el Foro de Bellas Artes, sentí que mi cuerpo empezaba a reaccionar ante lo que veía: mis piernas se movían impacientes, mi piel se me erizaba y empecé a sentir una presión en el pecho. Mientras sentía todo eso, pensaba “Yo debería estar allá arriba y no aquí. Mi cuerpo debería estar ahí, moviéndose”. A raíz de esa experiencia, empecé a movilizar todo para ver si ingresaba a la carrera de escénicas, decidí escuchar a mi cuerpo y a hacer un lado la idea egocéntrica de ver a la danza como un supuesto autodidactismo. Vi el programa, hablé con la coordinadora y maestrxs. Todo parecía decidido hasta que asistí a la semana de Letras y Cuerpos del 2018 que organizó Antares. Fue durante una charla de Diego Mur y Mauricio Rico en la que empecé a reflexionar sobre lo que realmente quería. Me di el tiempo de empezar a asistir a más presentaciones de Antares y opté por querer ingresar a la escuela de Núcleo Antares. En el 2019 me apunté al verano del Núcleo y ese fue mi primer acercamiento a un entrenamiento como tal. Me permití dejar a mi cuerpo ser, con todo y mis limitantes.
Un día mientras caminaba en el centro, decidí ir a la escuela de Núcleos. No sabía realmente a qué iba si aún no tenía con que pagar. Pensé “tal vez pueda empezar un tipo de entrenamiento por mi cuenta mientras llegue el momento de entrar”. Estaba nervioso, feliz y con miedo. Al llegar, fui al segundo piso y vi al maestro Isaac Chau, le dije que quería información acerca de la escuela. El maestro le habló a la maestra Ana Paula Ornelas, quien fue una de mis maestras durante el verano, para que me atendiera. Estaba todo sudado por la caminata, empecé hablar rápido y con nervios. La maestra me pidió que primero tomara aire y me tranquilizara. Una vez que me relajé, le empecé a contar una versión aún más sintetizada de lo que estoy escribiendo en este momento. Le pregunté qué podía hacer de aquí a que tuviera la posibilidad de entrar. Ella me dijo que entendía y me explico que la escuela estaría abierta y que si quería, podía empezar al día siguiente. Recuerdo lo feliz que salí luego de conversar con la maestra. A pesar de que tuve que abandonar la escuela en un punto debido a mi carga laboral (esto era ya finales de año)m administré todo y me propuse retomar clases en enero del 2020.
Luego de escribir sobre Las buenas maneras, de asistir estos meses a clases, de entrevistar algunos de lxs maestrxs y de actualmente estar llevando clase por Zoom debido a la situación actual de contingencia por el COVID-19, siento que simplemente no esperaba incorporarme de esta forma en la danza, aunque estoy contento por el recorrido que fui trazando.
I. El entrenamiento y camino hacia la puesta en escena, el detonador
La reflexión a la que llega esta primera cápsula me parece genial. El director Miguel Mancillas junto a los bailarines y maestros de danza Isaac Chau, David Salazar, Diana Salazar y Omar Romero; hacen un ejercicio de reflexión acerca de las percepciones del cuerpo, partiendo del entrenamiento al que se ve sometido. Me llama la atención el hecho que durante la fundación de Antares en 1987, cada integrante que lo conformaba venía de una formación diferente. Los maestros se han ido incorporando en distintos momentos, unos con una preparación distinta al del otro.
La maestra Diana hace hincapié en el conocimiento de nuestros propios límites para así poder trabajar sobre ellos. El maestro Isaac propone el buscar entender cómo va cambiando el cuerpo en el día a día. Los bailarines y los alumnos del Núcleo Antares, somos personas que hemos pasado por una variedad de procesos, edades y orígenes. Para el maestro, en cada clase hay un cuerpo lleno de información. Esto me llevó a pensar acerca de las imágenes que a veces nos dan durante la clase: imanes, el agua sobre nuestra espalda, la suspensión con un hilo, aplastar naranjas con los talones, nadar en una alberca con miel. Cada una de estas referencias será interpretada de una manera distinta en cada uno de los diferentes cuerpos de la clase. Pero los movimientos no cambian, quiénes cambian, comenta el maestro Isaac, somos nosotros. Él dice “La pintura no cambia, nosotros cambiamos y la vemos diferente”. Es por eso que también nos pide abordar la formación desde el humor y la reflexión, la inteligencia y la crítica responsable. Todo esto, al final nos lleva a un proceso de transformación.
En esta misma cápsula el maestro pone sobre la mesa la pregunta sobre la posibilidad de agotar un método. Comenta que las cosas se han desenvuelto de manera que el método no queda obsoleto, al contrario, genera un estímulo circular de parte de quiénes lo asumen. Aboga por la vulnerabilidad ante lo que se interpreta y de la protección de las emociones durante la interpretación, ya que estas al igual que el cuerpo, también se pueden lastimar. Entonces sabemos que el entrenamiento no es solo físico, sino que incluye un aspecto emocional. El maestro comenta que existe una búsqueda de empatía y que toda la preparación del cuerpo para la danza, sea antes, durante y después, es un acto de amor. Es este encuentro y reencuentro lo que nos hace recorrer el círculo de un constante reconocimiento de nuestra corporeidad.
Cápsula I:
II. Los espacios alternativos (la cercanía con el espectador)
Los ejemplos que se incluyen en esta cápsula nos muestra la variedad de lugares en la que Antares ha presentado sus obras. Me gusta que el maestro Miguel Mancillas haya comentado sobre su experiencia al usar el espacio exterior en una presentación en el ’86 por motivo del terremoto de 1985. Habla sobre los impactos físicos en los bailarines. Me quedo con la cuestión de adaptabilidad. La capacidad de adaptarse a los lugares con todo y sus características: si es sobre concreto, una tarima improvisada, bajo la lluvia o con los sonidos que haya en ese momento. Decían sobre cómo cada espacio le va enseñando algo al bailarín.
Creo que el aspecto importante de este tipo de actividades es la posibilidad de acercarse al público, de observar de cerca el cuerpo y la mirada. Este acercamiento me parece que puede llegar a impactar, a levantar preguntas: ¿qué hacen? ¿por qué se mueven así? ¿eso es bailar? Esto podría representar una creación de públicos.
Cápsula II:
III. El uso del teatro (pruebas escénicas)
Esta cápsula aborda un tema que en ocasiones se pasa por alto: la iluminación. Ivonne Ortiz, quien se encarga de la iluminación y quien ha colaborado con el maestro Miguel Mancillas para las obras de Antares, comparte sus piezas favoritas e historias sobre aspectos técnicos de las obras. Va un poco de la mano con la cápsula anterior sobre la capacidad de adaptarse a las circunstancias. Fue interesante ver cómo Víctor Ledesma trabajó con el hecho de bailar sobre los escalones en Las buenas maneras. Aquí el maestro recalca la importancia de cumplir con la adaptación sin afectar la ejecución. Me llevo lo que comentaban acerca de ensayar usando objetos reales desde el inicio y hacer que las cosas suceden.
Mi obra favorita es la que sigue
Miguel Mancillas
Partiendo de la cita pasada, creo que las lecciones favoritas de parte de Antares Danza Contemporánea son las que me esperan hoy en la tarde, la de mañana, la siguiente. Aprendo algo nuevo de mi cuerpo y de mí en cada clase, en cada corrección que me hacen al hacer los ejercicios y en cada proceso. Así como hay muchos tipos de amor, la danza no tiene un vía exclusiva para llegar a ella. En ese acto de amar se viven altibajos, requiere de decisiones firmes y es un proceso que se reinventa ante cada nuevo descubrimiento que hacemos sobre nostroxs mismxs. Todo afecta a nuestro cuerpo. Lo bueno es que la danza siempre estará ahí, sin prejuicio alguno… amando.
“Lado a lado”, Antares danza Contemporánea. Fotografía: Edith Reyes
