Un fragmento de La caída de los ángeles rebeldes (1660/1665) de Luca Giordano, justo a un lado de la puerta de mi cuarto
Recuerdo que ese día, en la app me salió esa pintura, era la pintura del día. Quedé enganchado de inmediato. La descargué y por mucho tiempo lo tuve como fondo de pantalla. Hay algo que me resulta fascinante de esa pintura. Ese algo tal vez sea el resplandor del arcángel Miguel, su gracia, su despreocupación, la sensación de que todo está bajo control, bajo su control. Su grandeza se ve enaltecida por las miradas de horror de los ángeles caídos. Miguel tiene porte, elegancia y parece acariciar el espacio que lo rodea, ¿o el espacio desea tocarlo a él? Su vestidura flotante sólo lo hace ver más etéreo, como si la escena quedara congelada y ante todo ese caos, su mirada es apacible, aún y cuando pareciera estar a punto de dar un golpe certero.
Cuando veía a Miguel, me decía “Yo quiero ser ese arcángel, quiero sobrellevar cada uno de mis propósitos y salir victorioso de mis obstáculos”, quería estar en la cima. Ahí, a esa altura, Miguel no se preocupa sobre tareas, si el amor verdadero llegará o no, si ya habrán depositado, si se va en bici o en camión a la escuela, si debería venderlo todo y escapar o si simplemente debería quedarse dormido todo el día. Esas cosas son preocupaciones terrenales. Pasado el tiempo, me di cuenta que había días en las que no me sentía como Miguel, sino más como ese ángel caído que está siendo pisado por él. A ratos simpatizo con ese ser aplastado. Cuando todo iba mal, deseaba con muchas ansias el ser ejecutado por una espada. Pero luego recordaba mis victorias, las veces en las que me caía una pizca de la gracia que porta Miguel en la pintura. Me daba cuenta que era una cuestión de perspectiva. Un día, imprimí la foto y de hecho a un amigo le regalé una igual. Hace un mes me mudé a un nuevo departamento, y luego de sentirme aplastado todo el mes de julio, para finales de septiembre le encontré un espacio clave en mi habitación. Lo pegué justo en la salida/entrada. La idea es que antes de salir a la calle, me pregunto “¿Quién decides ser hoy?” y hay días que me siento como ese ángel sentenciado, pero mi meta siempre será ser como el arcángel Miguel, porque la neta está cabrón que te anden aplastando a cada rato.
PD: Espero un día no sólo tener su porte, sino su físico también.
El semestre pasado en la clase de Teoría Literaria II, le propuse a mi maestro si podía presentar un trabajo audiovisual. En ese momento no sabía qué le presentaría, pero realmente me entusiasmaba crear algo en vídeo. Ahorita mismo, mientras escribo esto en mi habitación, en lugar de estar leyendo Frankenstein para mi clase de literatura inglesa; veo el rompecabeza de El grito de Munch, que me prestó un amigo para el proyecto que le terminé presentando al maestro, junto con una amiga. Seré breve para explicar de qué se trató. Estaba un día en Instagram cuando me topé con un clip que decía que la famosa pieza de El grito, tenía la interpretación de que el grito como tal, no provenía del sujeto, sino del exterior y es el sonido estridente lo que le provoca tal expresión.
Edvard Munch, The Scream, detail of lithograph, 1895. CC BY 4 The Munch Museum.
Tenía mucha curiosidad de abordar los temas de la interpretación que estábamos viendo en clase, pero reproducida a través de distintas áreas artísticas. Dije “Estaría cool, ir a música, para que nos dijeran, qué pieza musical le adjudicarían a El grito y por qué, para luego llevar esa música a los de danza y que ellos hagan su interpretación libre”. Esa fue la idea que llevé a cabo con mi amiga Doriannel. Ambos tuvimos la oportunidad de acercarnos a estas áreas, a los maestros y alumnos.
Queríamos saber los motivos de un grito, por qué elegían esa música, por qué bailaban de esa forma y por qué nuestros maestros de literatura pensaban en ciertos textos cuando veían la obra.
En el vídeo intentamos que fluyera tanto la parte teórica como la práctica, en un intento de justificar con base a la teoría, la aproximación de cada artista. El vídeo en sí no tiene muy buen sonido y originalmente, quería esperarme a renderizarlo con mejor sonido y pasarles algo bien a los colaboradores (que por cierto no han visto el trabajo final), pero creo que eso ya queda descartado. Sólo espero compartirles este post como un agradecimiento muy tardío. Porque en verdad estamos muy agradecidos por habernos dado parte de su tiempo, de sus palabras y de su arte.
A pesar de que mi maestro creía que no teníamos las bases necesarias para llevar a cabo un trabajo así, le terminó gustando y pues gracias ello, mi amiga y yo tuvimos una buena nota en esa clase.
Desde que inició este semestre, sabía que quería presentar algo audiovisual como proyecto final para la materia de teoría literaria 2. Hace unas semanas le propuse a Doria que se uniera conmigo para el trabajo final que aún no tenía muy claro. A veces me pasaba ratos pensando de qué sería ese trabajo final, hasta que un día, mientras scrolleaba en mi feed de Instagram, me topé con un vídeo de INSIDER. En un minuto explicaba que Giulia Bartrum, curadora de una exhibición dedicada al pintor noruego en el British Museum, decía que el grito no surge del sujeto en la pintura sino que está escuchando el grito que proviene desde afuera. Ella se basa en una litografía de Munch que a diferencia de las obras a color, este tiene escrito: “I felt the great scream throughout nature.” [“Yo sentí el gran grito de toda la naturaleza”]. Ahí supe que esa obra sería un buen objeto de estudio para un proyecto y para ver las posibilidades de la interpretación.
A grandes rasgos, el proyecto consiste de los siguientes pasos:
Entrevista con docentes de artes plásticas: Adriana Salazar y Leonel de Gunter.
Entrevista con el profesor de música, Alejandro Corona, pianista y compositor mexicano.
Una ejecución dancística de los alumnos de cuarto semestre en artes escénicas, coordinados a través de la maestra Abigail Nuñez y de Mario Lagarda.
Entrevista con docentes de literatura: Manuel Llanes, Daniel Avechuco y César Avilés.
Buscamos que estas disciplinas se vean entretejidas, de manera que la información de los docentes de plásticas son la base del proyecto. De la misma manera, las personas de escénicas dependerán de lo que el maestro Alejandro Corona proponga en cuestión musical y trabajarán con las piezas que él crea atribuible a “El grito”. La contribución de los maestros de literatura son más que nada, un elemento complementario para así explorar las posibilidades de la interpretación a través de la multidisciplina.
Lo que falta
Por el momento, aún tenemos pendiente las interpretaciones escénicas, la entrevista con los docentes de plásticas y la grabación de elementos composicionales para acompañar a las entrevistas. Sabemos que la parte de edición va a hacer una de las más complicadas del proceso, sólo esperamos que no nos tome más de las semana, para así coordinarnos con los otros trabajos finales del semestre.
Otro elemento importante por revisar es el aspecto teórico del proyecto, el cual consiste en revisitar los textos de Susan Sontag “Contra la interpretación”, Umberto Eco “La sobreinterpretación de textos” y de Jonathan Culler “En defensa de la sobreinterpretación”. Añadido a esto está lo de localizar la mayor cantidad de referencias populares y como la obra de “El grito” ha sido apropiado por diversas vertientes comunicativas y artísticas.
Con el libro “Expresionismo” de Ashley Bassie, en los pasillos del departamento de letras y lingüística.
¿Cómo se escucharía “El grito”?
A continuación les adjunto el vídeo de la pieza musical que el profesor Corona nos sugirió como el elemento musical que podría ser representativo del cuadro. Esta será la pieza que las personas de danza utilizarán.
PD: De verdad estoy agradecido con las personas que se siguen uniendo al grito para participar en este proyecto, regalándonos su tiempo y apoyo. Espero publicar el vídeo aquí en el blog una vez que esté terminado.
PD II: Uno no puede evitar la expectativa, así que aspiramos a algo grande para ver cómo será el alcance y producto final.
PD III: Sin duda, el llegar a conocer y acercarnos a las otras áreas de la división de bellas artes, ha sido lo más cool del proceso.
Imagen publicitaria de la inauguración de “50 años/ 50 obras”
“Duelos”, así se llama la primera obra que vi de Eva Laura Moraga (Monterrey, 1946), la cual se encuentra en la sala 1 del Museo de Arte de Sonora, titulada “Sonora 1.0 Apuntes para una colección”. En esa sala se encuentran condensados los trabajos de diversos artistas sonorenses, mexicanos y extranjeros en la que su obra se desenvolvía en temáticas del desierto o que simplemente habían desarrollado parte de su obra en Sonora. No había pensado en tener la oportunidad de ver otros trabajos de aquella artista que pintó aves cayendo cerca de rostros melancólicos.
El día 11 de abril del 2019, el museo inauguró “50 años/ 50 obras”, misma que estará en exhibición durante todo el verano. A través de esta exposición curada por Octavio Avedaño Trujillo, surge la posibilidad de conocer más de cerca el trabajo de Moraga y observar su evolución por medio de las obras selectas. Pero más que armar una crónica de la inauguración, lo que propongo en esta entrada es dialogar con la semblanza de la sala, comentar la forma que propone Avedaño en el acomodo de las piezas y finalmente, hacer breves bosquejos analíticos de las obras presentadas en esta exposición.
“Magia nocturna” Monotipo 76×58 cm 2008
Notas sobre la semblanza
“El espíritu de esas múltiples propuestas temáticas y formales de los creadores surgió a partir del periodo posrevolucionario, entorno favorecedor a la conciencia social de los artistas que, posteriormente y con los ideales nacionalistas de modernidad, modificó gradualmente sus contenidos, sus aspiraciones individuales y a la vez sus deseos cosmopolitas” – Sofía Neri. Fuente: Siempre!
Ese es un concepto con el que inicia la semblanza de la exposición: “arte posrevolucionario”. El curador inicia desde los maestros de Moraga tales como José Lascarro, Mariano Paredes, Arturo Estrada y Nunik Sauret, y añade notas acerca del imaginario que manejaban; esto con el fin de conocer los antecedentes de la artista. Más adelante se comenta acerca de su estancia en Ciudad de México y la solidificación de un lenguaje propio al estar en Hermosillo, Sonora. Se hacen referencias en un lenguaje poético acerca de la manipulación de diversas técnicas como el monotipo, resinas de aguafuerte, la xilografía, grabado y otras más como la tinta china. Algo que muchos de los presentes pasaron por alto al leer la semblanza (me apoyo en comentarios que escuché: “Se empieza por aquí” “¿por qué hay una del 2003 por acá?”) es que Avedaño no propone un acomodo cronológico de las obras, sino que explora el lado discursivo y simbólico de las piezas, invitando al espectador que se atreva a generar interpretaciones ya sean lecturas eróticas, políticas o poéticas. Queda para los curiosos ir trazando la cronología artística por cuenta propia. Aunque cabe señalar que hay una línea de tiempo incluida en la exposición, pero que se enfoca solamente en acontecimientos familiares y de eventos relevantes en la vida artística de Moraga.
“Refiguraciones” Óleo sobre tela. 80×60 cm. 2000
Cuerpos deambulantes
Pienso que mi bagaje de estudiante de literatura hace que intente buscar los aspectos narrativos en las obras plásticas que veo. La narración en las obras de Moraga trascienden los límites de una pieza y lo que esta exposición facilita, es ver esta antología como un todo. Los cuerpos en sus piezas parecen deambulantes, lo cual es curioso ya que la artista tiene una colección titulada “Deambular urbano”. Esta deambulación es curiosa, explorativa, frágil, torpe y brusca. Algunos cuerpos parecen haber encontrado la tranquilidad dentro del mundo que habitan, eso o simplemente se rinden. Esto se ve reflejado en las miradas de alguna de las piezas como “Personajes” (imagen 4) o “Cuarto rojo” (imagen 1). El cuerpo nos lleva luego a la fisionomía, en este caso: el cuerpo femenino, que juega un papel preponderante en su obra. Gran parte de los cuerpos que remiten lo femenino, suelen estar de espaldas, de perfil, envueltas, escondidas o a veces presionadas sobre otras. Pero esta característica de cerrarse al espectador no se compara por cómo se ven influenciadas por el cuerpo masculino, cuando este llega a estar en el mismo espacio.
La existencia de la figura masculina en el cuadro puede ser corpórea o simbolizada a través del color rojo, mismo que también aparece para sugerir algún aspecto violento. Tal como lo hace en “Tiempos y lugares V” (imagen 3), “Cuarto rojo”, “Ventana” y la imagen 5, la cual me parece una de las más violentas debido a la manera en la que el color se desborda de los márgenes delineados por Moraga. Esta deambulación es de carácter ambiguo, uno no puede decir que son cuerpos torpes (aunque ya lo escribí y pueden ser vistos así), porque estos cuerpos parecen seguir una extraña dinámica dentro del mundo que habitan, una dinámica que a veces queda al descubierto y es cuando encontramos rostros viéndonos fijamente, no con temor, sino con angustia, tal vez odio, como si la armonía corpórea que proponen algunas piezas, fuera algo que no deberíamos estar viendo. Es en ese momento cuando el espectador es la pieza y deambula a ver la siguiente obra de la sala. Pareciera que vemos a través de distintas piezas, el funcionamiento de un mismo mundo y es ahí donde se resguarda el lenguaje de Moraga.
“Pertinaz distancia” 48×59 cm. 2001
PD: La imagen superior fue una de mis piezas favoritas. Partiendo desde el sujeto aparentemente despierto, ¿cuál podría estar más lejos, esa constelación o el cuerpo que está a su lado?…
Existe un estado de ensoñación, cuando aún logramos construir espacios y dibujar siluetas de lo que se presume como “real”. Hay una realidad que sufre la distorsión del tiempo (o donde el tiempo en sí es de otra naturaleza). Sueños transitorios es una exploración del ser representado de manera figurativa por el cuerpo humano y de cómo este habita e interactúa en espacios transitivos que lo llevan a lo onírico. El artista plástico, Jesús Osuna*, con base al carboncillo, lápices, matices degradados, rostros, líneas, rasguños y una semblanza del filósofo Ramsés Leonardo Sánchez, nos invita a una introspección del ser en sus facetas transitivas de lo real al sueño.
El grito. Carboncillo sobre papel. 57×43 cm. 2017
Por medio de trazos suaves que parecieran efímeros, Osuna logra crear un ambiente, suspender el cuerpo humano y colocarlo bajo las normas de lo transitorio. Más allá de lo que parece un cuerpo distorsionado o violentado por el espacio en el que se coloca, Osuna propone ver a estos objetos reaccionar ante nuevas realidades, nuevas leyes de tiempo y espacio.
Las personas retratadas proyectarán angustia, miedo, nostalgia y hastío de este proceso de transición. Las manchas, las líneas, los trazos, más allá de herir e invadir al sujeto, lo envuelven, lo abrazan y lo invitan a congeniar con el ritual de pasaje.
El origen de la idea. Mixta sobre tela. 139×139 cm. 2008.
Tristeza. Mixta sobre tela. 90×90 cm. 2018
La aparición. Mixta sobre tela. 90×90 cm. 2018
Los rostros proyectan una reacción al entorno y como consecuencia algunos de los sujetos demuestran un comportamiento aislado. Unos conviven mejor con su ambiente que otros; unos se han rendido al ensueño y hay otros que se reusan a fluir con la nueva realidad que habitan.
Osuna traza las ventanas que nos permiten asomarnos a nuevas dimensiones. Dialogar con las piezas nos permite conocer qué tan sujetos estamos a nuestra realidad y qué tan ajenos nos resulta lo figurativo. Es interesante llevarlo a la interpretación y sentir cómo la razón lucha para reafirmar su propia existencia. Es en esta dinámica donde reside un juego de paradojas interactivas y el espacio interpretativo ya no es el papel y la tela, sino nuestras mentes y la percepción.
Atentamente,
*Jesús Manuel Osuna es Licenciado en Artes por la Universidad Veracruzana, desde 2007 ha impartido talleres de pintura y dibujo . Cursó dos diplomados en el Instituto Nacional de Bellas Artes que lo acreditan como maestro del Programa Nacional de Escuelas de Iniciación Artística Asociada así como el diplomado en tendencias de la educación artística impartido por la Dirección Municipal de Cultura de Cajeme. (Fuente: Artelista)
PD: No se pueden perder la exposición y la semblanza que la acompaña, llévense a algún amigo con el que deseen reflexionar un rato, contemplar y sentir la experiencia de la transición.
Recuerdo que el haber llegado a tu exposición fue mera casualidad. Caminaba con algunos compañeros de artes plásticas y una señora con la que habíamos charlado aquella tarde. Habíamos comentado el mural llamado “Nuestras raíces” de Raúl Ruiz y Marlen Loss ubicado en el lobby de uno de los edificios del Colegio de Sonora. Llegué a tu exposición, gracias a mi colegas. Esa tarde estaba ansioso por ejercitar mi lado perceptivo. Descubrí la importancia de una inauguración, le comenté a una compañera que si podía comparar la inauguración de una exposición con la publicación de un libro y ella me dijo que era algo similar. Me alegré por ti y hasta recuerdo haber estado ansioso por recorrer tus pinturas.
Caminé entre los cuadros pero me detuve ante un panorama vertical. Fue inevitable ver aquella pared llena de pinturas de flores. Pensé que ahí cobraba sentido el título: BLOOM o el florecer. Me dejé llevar por la música y la simetría de tus cuadros.
Recuerdo que al terminar de ver las pinturas, me acerqué a ti y me comentaste acerca de la cronología de la exposición. Ahí es cuando el primer cuadro de la serie adquirió para mí un significado nuevo. “Conspiración Geométrica” ahora parecía el origen, ese destello delicado que fundamenta la serie. Ante la luz de dimensiones maleables, las figuras geométricas parecen querer encuadrarla, generando una especie de respaldo a las cuadro consecutivos. Había un tipo de lucha, como su nombre lo dice: una conspiración.
“Conspiración Geométrica”. Óleo sobre tela. 50×50 cm.
Le sigue “Future”, una pintura que sugiere una secuencia casi inmediata de la primera, en la que pareciera retratar el génesis. En este aparecen los colores verdes, azules y unos tonos tierra. Ante las abstracciones de unos cuerpos vemos que este pequeño mundo sigue encuadrado por la simetría.
“Future”. Óleo sobre tela. 50×50 cm.
Con el aspecto “cronológico” en mente, tuve una mirada distinta a lo que la serie posiblemente narraba o de lo que buscaba provocar. BLOOM fue redescubrir la belleza de la simetría, lo agradable que es el paralelismo como si se tratara de un acompañante infinito en donde la seguridad de un elemento complementario siempre está ahí. Enamorarse de la simetría es enamorarse del orden. Nos cautivaste en el orden, nos presentaste la disciplina y nos hiciste ver lo bonito de las intersecciones.
Cuando más sumergidos estábamos, te vemos a ti en un autoretrato colorido y oscuro a la vez. Manteniendo la simetría en todo, la exposición cierra ante el florecimiento. La exposición empieza con “Conspiración geométrica” y termina en ese caos de flores que resulta confuso. Nos enamoraste de lo simétrico y ante semejante pieza, la desproporción de las flores resultaba chocante pero agradable. Había un choque entre la belleza de las flores y la manera desproporcionada en las que estaban acomodadas. Pensé en las escenas en cámara rápida de una florecimiento, como esta parece llevar un ritmo uniforme para crecer de manera libre. Fue ahí cuando lo vi…
Vi la complejidad de lo humano, como lo simétrico resulta atractivo pero a veces claustrofóbico y como el caos tiene un orden propio, con una belleza particular que sólo puede ser apreciada ante la apertura. Nuestro propio florecimiento.
Fue agradable apreciar más allá de la letra, la dualidad de caos-orden y ver como su forma plástica nos lleva a nuevas perspectivas. Gracias por ello, Omar.
Atentamente,
PD: La exposición BLOOM de Omar Mendoza seguirá hasta el 11 de mayo en la sala de arte del Instituto Sonorense de Cultura (clic aquí para ver ubicación). La última vez que visité la sala, habían unas tablas grandes que entorpecían el recorrido, pero que no pasaba más allá de un obstáculo para “recorrer el espacio”.
Muchos dirán que por qué desconectarte o cancelar tu cuenta de alguna red social que simplemente controles el tiempo que les dedicas. Pero hay que tener en cuenta que las redes sociales son diseñadas para ser adictivas y por mi cuenta; me cuesta trabajo no clavarme. Quisiera ahondar más profundamente en esto de la cancelación de redes sociales para otra entrada porque por ahora me quiero enfocar en Instagram. Actualmente no tengo Facebook ni Twitter y podría decirse que sólo uso el otro grande en redes sociales: Instagram ❤.
A principios del año me establecí una serie de propósitos (que por cierto tengo pendiente escribir) que requieren un espacio en mi agenda diaria. Cosas como leer y escribir más, necesitan que les dedique un poco más de tiempo. Otro de los propósitos: Aprender a tocar la guitarra, ¡llevo años arrastrando este propósito! y la práctica de un instrumento también requiere tiempo.
Amo Instagram y por eso mismo le estaba dedicando muchas horas. Admito que las constantes actualizaciones que ha tenido la app, como las historias tipo Snapchat, me empezaba a consumir más y más tiempo. Porque he ahí un detalle; soy fan de publicar historias en Instagram. No sólo me gusta IG por su nueva plataforma sino también por la gente tan creativa de muchas partes del mundo. Las fotografías que he visto en algunas de las cuentas que sigo, casi no las veo en ningún otro lugar. Además, últimamente había estado intercambiando vídeos y memes con mi hermana menor; eso me divierte mucho.
Antes de cerrar Facebook y Twitter, había dejado Instagram pero eventualmente regresé. Fue en ese regreso donde me di cuenta lo mucho que me gusta la aplicación. Eso por esto que veo muy difícil abandonar IG. Entonces cuando miré que IG sería una roca gigante en el camino por lograr mis propósitos de año nuevo; decidí abandonar la aplicación, pero sólo por tres meses. Decidí tres meses porque quiero pensar que para ese entonces tendré muy marcados los hábitos de escritura, lectura y práctica de guitarra y así ya no pasaré tanto tiempo en IG.
Otras de las cosas que me gusta de IG es tomar fotografías en las que le dedico especialmente a la app; fotos que intento tomar con la intención de que vayan a ser subidas a IG. Entonces como no quiero dejar de tomar fotografías; creé la categoría de “Fotos para Instagram“. Ahí concentraré las fotos que tenga previsto subir una vez regrese a IG. Me gusta esta alternativa porque siento que voy a querer comentar la foto en las entradas al blog y eso hará que de paso escriba más; así mato dos pájaros de un tiro.
Por el momento ese es el plan. Veré cómo me va. Todo sea por un mejor 2017 🙂
La foto superior es un mural nuevo del movimiento que empezó la Casa Madrid. Antes se veía así:
¿Genial, no?
Muchas, muchas gracias por leer 😉
PD: Esa misma foto superior, es la primera foto que le dedico a “Fotos para Instagram“.
Salíamos de una charla que hubo en Casa Madrid cuando ubicamos uno de los murales del folleto “De las galerías a las calles”. En esta ocasión fue el mural de la hermana de una compañera de clase.
Me gustó mucho la ventana y el cerro de la Campana que está dibujado en su interior, desde los detalles minúsculos de las luces hasta el cielo oscuro, lo cual resalta mucho con el día del desierto que hay en su exterior; ese exterior donde está esa particular chica sentada en medio del desierto que habita.
Antes del mural
“Dígale al presidente que la revolución está PRESENTE” se leía antes en el mismo espacio donde ahora se encuentra el mural de Bojorquez.
![[Video] Los motivos de un grito](https://oscartero.files.wordpress.com/2019/10/20191006_223344_0000376622931.png?w=940)
![Un grito que convoca a las artes [Diario]](https://oscartero.files.wordpress.com/2019/05/inshot_20190503_141018570.jpg?w=1200)
